DÁ FALA

Tchiloli uma tragedia actual. ©JoseMoraRamos

Começa esta quinta-feira, 21 de Julho, em São Tomé, a primeira edição do Festival Internacional de Teatro de São Tomé, no âmbito do RECITE, um projecto liderado pelo Ministério do Turismo e Cultura de São Tomé e Príncipe, em parceria com a AEGUI - Associação de Escritores da Guiné-Bissau. Ao longo de 10 dias, o público são-tomense vai poder assistir a nove espectáculos, de cinco grupos nacionais e dois grupos vindos de Moçambique e Portugal.

O Festival, cuja sessão de abertura é presidida pelo Primeiro-Ministro de São Tomé e Príncipe Jorge Bom Jesus, começa com a estreia de “Tchiloli, uma tragédia actual”, exercício-espectáculo que resulta de um Laboratório Teatral dirigido pelo encenador Andrzej Kowalski. A partir de um texto original, criado colectivamente no seio do grupo, oito actores e actrizes são-tomenses revisitam a tradição do Tchiloli e reflectem sobre a actualidade do país. O espectáculo é apresentado em duas sessões, a 21 e a 22 de Julho, no auditório do Arquivo Histórico, sempre às 19h00.

Ao longo dos dias seguintes, quatro grupos nacionais apresentam os seus trabalhos, todos também no Arquivo Histórico e sempre às 19h00: “Kinté de Motxi”, pelo Legi Tela (23 de Julho); “O Guloso Mentiroso”, pelo grupo Os Parodiantes da Ilha (24 de Julho); “Um olhar direccionado”, do Caravana Africana (25 de Julho); e “A busca do sonho”, pelo Surpresa da Madrugada (27 de Julho).

As participações internacionais nesta primeira edição do Festival são asseguradas pelo espectáculo “Pois é, vizinha” (Moçambique), com encenação de Maria Atália (26 de Julho, 19h00, no Arquivo Histórico) e por dois espectáculos da companhia portuguesa Teatro Meridional: “O Sr. Ibrahim e as Flores do Corão” (29 de Julho, 19h00, Arquivo Histórico) e “Elas”, um recital de poesia de língua portuguesa com Natália Luiza (30 de Julho, 19h00, Centro Cultural Brasil – São Tomé e Príncipe).

A 31 de Julho, domingo, pelas 16h00, o Festival encerra com o Tchiloli, pela Florentina de Caixão Grande.

O projecto RECITE

O projecto RECITE – Rede de Centros de Intercâmbio Teatral nos países de língua portuguesa é uma parceria entre o Ministério do Turismo e Cultura de São Tomé e Príncipe e a AEGUI – Associação de Escritores da Guiné-Bissau que assume como objectivo central a consolidação dos Centros de Intercâmbio Teatral de São Tomé e de Bissau, enquanto plataformas de intercâmbio e apoio à actividade das comunidades teatrais dos respectivos países. Para além de acções de formação (os laboratórios teatrais), de exercícios-espectáculo e de festivais internacionais de teatro nos dois países, o projecto prevê ainda acções de valorização e divulgação de manifestações artísticas tradicionais de São Tomé e Príncipe e da Guiné-Bissau e o arranque de projectos de qualificação ou de criação de espaços cénicos nas duas capitais.

Em São Tomé e Príncipe, a estreia do exercício-espectáculo e o Festival Internacional de Teatro são os primeiros momentos de partilha com o público do trabalho que vem sendo realizado desde Janeiro de 2022. Até Junho de 2024 (período de implementação do projecto), a acção estender-se-á à documentação (com a constituição de uma nova biblioteca de teatro no CIT-STP e realização de uma oficina de técnicas documentais), à disponibilização ao público de um acervo fotográfico sobre o Tchiloli e o Auto de Floripes e à qualificação do espaço polivalente da Casa da Cultura, melhorando as condições ao dispor da comunidade teatral e dos públicos de São Tomé.

O projecto RECITE é executado no âmbito do PROCULTURA, acção do programa PALOP-TL e UE, financiada pela União Europeia, co-financiada e gerida pelo Camões, I.P.

PROGRAMA
AUDITÓRIO DO ARQUIVO HISTÓRICO 
   21 de Julho, quinta-feira
   18h30 - Cerimónia de abertura
   19h00 - Tchiloli, uma tragédia actual | exercício-espectáculo do Laboratório Teatral (STP)

   22 de Julho, sexta-feira
   19h00 - Tchiloli, uma tragédia actual | exercício-espectáculo do Laboratório Teatral (STP)

   23 de Julho, sábado
   19h00 - Kinté de Motxi | Legi Tela (STP)

   24 de Julho, domingo
   19h00 - O Guloso Mentiroso | Parodiantes da Ilha (STP)

   25 de Julho, segunda-feira
   19h00 - Um olhar direccionado | Caravana Africana (STP)

   26 de Julho, terça-feira
   19h00 - Pois é, vizinha | enc. Maria Atália (MZ)

   27 de Julho, quarta-feira
   19h00 - A Busca do Sonho | Surpresa da Madrugada (STP)

   29 de Julho, sexta-feira
   19h00 - O Sr. Ibrahim e as Flores do Corão | Teatro Meridional (PT)

CENTRO CULTURAL BRASIL - SÃO TOMÉ E PRÍNCIPE
   30 de Julho, sábado
   19h00 - Elas [Recital de Poesia] | Teatro Meridional (PT)

CASA DA CULTURA      31 de Julho, domingo
   16h00 - Tchiloli | Florentina de Caixão Grande (STP)

Alice Marcelino / Carlota Bóia Neto / Daniela Vieitas /  Gabriela Noujaim / Indira Grandê / Pamina Sebastião / Sofia Yala

 21 de julho - 3 setembro

Performance “Na Porta ao Lado” de Daniela Vieitas.

Sessões | 19h-20h-21h

DJ Mistah Isaac apresenta“Wako Kungo Sessions” Hosted by Diaza 18h-22h

A Galeria MOVART em Lisboa apresenta uma nova interpretação da exposição NÃO HÁ CURA, a coletiva que há um ano inaugurou no Instituto Camões em Luanda. A exposição é agora transportada para uma outra cidade, num outro país e continente. Embora num contexto sócio-político diferente, NÃO HÁ CURA reúne um conjunto de obras que refletem sobre problemáticas universais, e que fazem sentido serem agora mostradas no espaço lisboeta da Galeria MOVART.

A conversa e a desconstrução são os pontos de partida desta mostra que questiona a imposição dos espaços, das diretrizes curatoriais e das convenções sociais. Um diálogo, por ora, sem fim à vista, que se propõe redescobrir e resignificar o eu, o corpo e a mulher, procurando relançar e repensar radicalmente o papel da arte.

A exposição, inicialmente comissariada por Keyezua, conta com a participação de Alice Marcelino (Angola), Carlota Bóia Neto (Portugal), Daniela Vieitas (Portugal), Gabriela Noujaim (Brasil), Indira Grandê (Angola), Pamina Sebastião (Angola) e Sofia Yala (Angola) que irão apresentar obras inusitadas entre instalação, performance, fotografia, video e colagem.

Galeria MOVART,  Rua João Penha 14A, 1250 - 131 Lisboa

O vereador Rui Tavares tem o prazer de convidar a assistir à sessão evocativa de Mário Domingues que irá decorrer no próximo dia 18 de julho, a partir das 18h30, na Câmara Municipal de Lisboa. Um dos autores pioneiros sobre a afirmação negra e a questão colonial, Mário Domingues será evocado por ocasião dos 100 anos de publicação da série “Para uma História da Colonização Portuguesa” no jornal “A Batalha”.

O evento contará com a presença de José Luís Garcia, Inocência Mata e Rui Tavares e irá também decorrer uma sessão de leitura de textos de Mário Domingues.

Lançamento do projeto “Virgínias”, um coletivo de mulheres que procura dar voz a textos inéditos escritos por mulheres (cis, trans ou não-binárias).

OPEN CALL:
Textos inéditos escritos por mulheres (cis, trans ou não-binárias) residentes no Algarve. Datas: de 4 a 24 de julho. www.casuloartesperformativas.pt/virginias

“Fazem alguma ideia de quantos livros se escrevem sobre mulheres no curso de um ano? Fazem ideia de quantos são escritos por homens?” in “Um quarto só seu”, Virginia Woolf

Quase 100 anos depois da publicação da obra literária “Um quarto só seu”, de Virginia Woolf, sabemos que as respostas a estas questões estão ainda longe de serem representativas e igualitárias tanto no panorama de criação literária, como em tantos outros. Foi a partir desta reflexão sobre a escrita de e sobre mulheres que nasceu o projeto “Virgínias”, um coletivo artístico que pretende dar voz a textos inéditos escritos por mulheres (cis, trans ou não-binárias).

A primeira incursão na busca destes textos originais – que não podem ter sido publicados, editados ou representados – será feita na região do Algarve, a partir do Cineteatro Louletano. Podem concorrer todas as mulheres (cis, trans ou não-binárias) que residam nesta região e que escrevam em qualquer uma das variantes da língua portuguesa, inclusive usando o género neutro. O envio de textos pode ser feito até dia 24 de julho, através deste site, e deve também incluir uma carta de apresentação e um texto original. Serão aceites diversas formas literárias, como ensaios, crónicas, contos, material biográfico, declarações artísticas, textos para cena, manifestos, cartas, etc, que privilegiem as temáticas de Identidade, Memória e Género.

Serão selecionados oito textos para serem trabalhados juntamente com o coletivo “Virgínias”, que posteriormente os levarão a palco numa leitura encenada. O trabalho de criação, edição, encenação e apresentação ao público será desenvolvido durante uma residência artística em Loulé, entre os dias 11 e 23 de agosto. A leitura encenada dos textos marca o encerramento da residência com uma apresentação que integra diversos grupos da comunidade local e que será gratuita e aberta ao público. Emmanuel Guilho

NOTA DE IMPRENSA

“Desejamos, enquanto coletivo de mulheres com experiências variadas no mundo artístico e editorial, encetar um trabalho de incentivo à criação e de divulgação de textos inéditos escritos por mulheres (cis, trans ou não-binária), levando-os a cena e publicando-os. É urgente contrariar a história da literatura que perpetua o privilégio de homens (geralmente brancos e de classe média) e corrigir o viés ideológico e social desta tendência. É necessário ampliar o universo de obras disponíveis para que haja uma representação da mulher e da comunidade LGBTQIA+ mais igualitária. Para isso é necessário descobrir, resgatar, reclamar esse espaço, dando voz e corpo a esses textos”, lê-se no comunicado do coletivo que inicia agora o seu trabalho.

Do coletivo “Virgínias” fazem parte Flávia Gusmão, Helena Ales Pereira, Inês Oneto, Madalena Palmeirim, Marlene Barreto e Patrícia Soso.

Esta residência é financiada pelo Cineteatro Louletano, produzida pelo Casulo, Artes Performativas e Audiovisuais e conta com os seguintes parceiros: Câmara Municipal de Loulé, Loulé Criativo, Mákina de Cena, Casa Cultura de Loulé, Grémio Dramático Povoense e Bô Dixam Bai Associação.

Para pedidos de informação, fotografias ou entrevistas, contactar com: Helena Ales Pereira
E-mail: helena.ales@gmail.com

São doze mulheres, provenientes de São Tomé e Príncipe, de Cabo Verde e da Guiné-Bissau, que ao longo dos últimos seis meses trabalharam diariamente para desenvolverem projetos de energia sustentável a serem implementados nas suas comunidades locais.

Da instalação de sistemas de energia solar ou de irrigação, a projectos educativos e de capacitação, ou projetos que permitam a possibilidade de conservação de alimentos, cada um destes projectos ajudará a desenvolver a economia local, a contribuir para o empoderamento e para a igualdade de género ou, até, gerar impacto social e ambiental nas comunidades abrangidas. Até ao dia 19 de Julho, estão abertas as votações para que o público ajude a eleger o projecto vencedor. Convidamo-lo a ouvir as histórias destas mulheres e a contribuir com o seu voto. Saiba mais aqui.

Mónica de Miranda inaugura a 21 de julho nas Galerias Municipais - Galeria Avenida da Índia : “Mirages and Deep Time”

Exposição reúne obras inéditas e estrutura-se em torno de A Ilha, um vídeo inspirado na “Ilha dos Pretos”, uma denominação de tradição oral dada no séc. XVIII a uma comunidade de pessoas de origem africana que se fixou junto ao rio Sado 

Mirages and Deep Time (Miragens e Tempo Profundo)

de: Mónica de Miranda

curadoria: Azu Nwagbogu

Galerias Municipais - Galeria Avenida da Índia

21 julho a 25 setembro 2022

terça a domingo: 10h -13h e 14h -18h

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Inaugura no dia 21 de julho a nova exposição individual de Mónica de Miranda nas Galerias Municipais - Galeria Avenida da Índia, intitulada “Mirages and Deep Time” (Miragens e Tempo Profundo), com curadoria de Azu Nwagbogu.

A exposição, reúne obras inéditas de Mónica de Miranda, cuja prática informada pela pesquisa investiga as convergências entre política, identidade, género, memória e lugar através de geografias de afeto, arqueologias urbanas, narrativas pós-coloniais e estratégias artísticas de subversão. A exposição estrutura-se em torno da obra vídeo “A Ilha” (2022), inspirada na “Ilha dos Pretos”, uma denominação de tradição oral dada no séc. XVIII a uma comunidade de pessoas de origem africana que se fixou junto ao rio Sado. 

Mirages and Deep Time de Monica de Miranda circunscreve os problemas com os tropos decoloniais, é uma busca contínua e não mitigada, que requer hiper-vigilância e sugere uma compreensão dos limites da história aprendida. Mirages and Deep Time dá espaço aos aspetos espirituais e metafísicos sobre o reenquadramento da história e identidade negra na história portuguesa. Também avança a conversa em direção à natureza e a novas formas de conhecimento na abordagem do maior desafio do mundo contemporâneo em relação as alterações climáticas na era do Antropoceno.

A exposição é também composta por trabalhos fotográficos, que, em diálogo com o filme, exploram várias relações entre feminilidade, natureza e histórias esquecidas por um sistema hegemónico. Expondo um olhar oposto para a história colonial e patriarcal, as obras avançam importantes questões sobre pertença e sobre a construção da identidade na era contemporânea.

As esculturas apresentadas, cobertas por terra e plantas, exploram a metáfora da ilha, a artista vê a terra ou o território como um detentor de memória, história, uma reciprocidade entre presente, passado e futuro. A terra contém dentro dela o tempo e o espaço, visto como matéria que está sempre a mudar, que não é estática.

O filme “A Ilha” apresenta a história de um lugar utópico, que reside no espaço entre a ficção e a realidade, onde as potencialidades para reescrever histórias e pensar o futuro são reunidas através das personagens e das suas viagens. O nome deste lugar, situado entre ficção e a realidade, e uma reapropriação das histórias locais de uma aldeia portuguesa (São Romão de Sádão) que foi pejorativamente chamada “a ilha dos Pretos” durante os séculos XVII e XVIII. As histórias desconhecidas de gerações de populações escravas em Portugal são procuradas e reescritas nestes espaços onde viveram, participaram ativamente e contribuíram para o desenvolvimento das sociedades que as escravizaram e discriminaram. A viagem à Ilha requer uma viagem física e interior para cada uma das personagens, a um estado superior que exige a redenção do passado e a capacidade de imaginar um futuro. A mulher, que escapa às memórias do passado ao confrontar os seus carrascos. A arqueóloga que investiga a memória a fim de compreender o presente e para que erros semelhantes não se repitam na Ilha. O homem capitalista que, na sua eterna insatisfação, reflete sobre como se tornou o opressor, o colonizador. As crianças, que com a sua força pura e vital energizam todas as outras personagens através da sua fantasia e sonhos.

A narrativa visual de Mónica de Miranda gira em torno de um motivo central: o espelho. Concreto (através do objeto feito) ou natural (por reflexão na água), os espelhos aparecem repetidamente na representação da ilha. Revelando verdades invisíveis e desejos mais profundos, o espelho na obra de Miranda torna-se um intrincado nó polifónico: tanto dobra como desdobra uma narrativa de várias camadas. Através de um filme e uma série de fotografias, de Miranda utiliza o espelho como um dispositivo estruturante que lhe permite sondar, em toda a sua complexidade e multiplicidade, ideias de identidade (eu e alteridade) e história (passado, presente e futuro potencial). Enquanto o espelho, como motivo, é um tropo bem estabelecido na história da arte, com este projeto de Miranda empreende uma re-apropriação do espelho como uma poderosa forma metafórica contemporânea. De facto, de Miranda ‘recupera o espelho’ e atualiza os seus valores simbólicos à luz das suas posições descoloniais, feministas e ecológicas.

De Miranda não só “recupera o espelho” como um aparelho, mas também subverte o seu significado, recusando-se a olhar para o outro lado, dando origem a uma história contada pelas forças dominantes, o espelho torna-se um epítome de agência. “Há poder no olhar”, como os ganchos dos sinos afirmaram - de facto, para Mónica de Miranda, o olhar no espelho rebelde é uma estratégia de olhar e ser olhado com uma agência de pertença.

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Bio

Mónica de Miranda (Porto, 1976) é uma artista portuguesa de origem angolana que vive e trabalha entre Lisboa e Luanda. Artista e pesquisadora, seu trabalho é baseado em temas de arqueologia urbana e geografia pessoal. Trabalha de forma interdisciplinar utilizando desenho, instalação, fotografia, filme, vídeo e som em suas formas expandidas e dentro dos limites entre ficção e documentário. Mónica é cofundadora do Hangar (Centro de Investigação Artística, Lisboa 2014) e em 2019 foi nomeada para o Prémio EDP Novos Artistas (MAAT, Lisboa) e em 2014 para o Prémio Novo Banco de Fotografia. A sua obra está representada em diversas coleções públicas e privadas, nomeadamente: Calouste Gulbenkian, MNAC, MAAT, FAS, Nesr Art Foundation e Arquivo Municipal de Lisboa. Entre as suas exposições mais recentes destacam-se: Europa Oxala (CAM, Lisboa; Mucem, França, 2022)  , Thinking about possible futures,(Biennale del Sur,2021), African Cosmologies, Houston Fotofest (2020), Taxidermy of the future (Biennale Lubumbashi,2019), Architecture and Manufacturing, at MAAT in Lisbon (2019), Tales from the water margins, (Biennale Internationale de l’Art Contemporain de Casablanca,2018); Daqui Pra Frente, Caixa Cultural (Rio de Janeiro and Brasília, 2017-2018); Dakar Biennial in Senegal (2016); Bienal de Casablanca (2016), Addis Photo Fest (2016); Bienal de Fotografia de Vila Franca de Xira (2017), Bamako Encounters – African Biennale of Photography (2015); MNAC (2015); 14th Biennale di Architettura di Venezia (2014); São Tomé e Príncipe Biennale (2013); Estado Do Mundo, Fundação Calouste Gulbenkian (2008), entre outras.
www.monicademiranda.org

Com o tema Fluxos(In)Fluxo: Transitoriedade, evento aceita trabalhos até 15 de agosto de 2022

A Black Brazil Art anuncia chamada para a segunda edição da Residência Artística Virtual Compartilhada (RAVC). Em uma parceria com a Njabala Foundation, fundação voltada para a difusão e experimentação de trabalhos artísticos de mulheres com o tema Fluxos(In)Fluxo: Transitoriedade.

A residência conta com mentores do Brasil, França, Uganda, Reino Unido, Portugal e Estados Unidos.

Inscrição: As inscrições acontecem até 15 de agosto de 2022 pelo site blackbrazilart.com.br/ravc2.

A segunda edição está organizada em um contexto de mundo abalado pela crise do Covid-19 que ainda persiste e pelos processos migratórios forçados no mundo por guerras e conflitos. “A Covid-19 nos lembrou, inversamente, o quanto o ecossistema das artes, e em particular as trocas via residências, estão ligadas a um bem comum crucial, a liberdade de deslocamento - os fluxos que fazemos”, aponta a curadora Patricia Brito.

A residência abre espaços criativos para conscientização sobre o “êxodo” contemporâneo e desenvolverá reflexões teórico-práticas do ponto de vista artístico para pensar coletivamente sobre práticas artísticas socialmente engajadas e relacionais ao mesmo tempo.

As inscrições custam entre R$ 65,00 (individual) e R$ 150,00 (coletivos de até cinco pessoas) e são abertas para artistas, curadores, pesquisadores, educadores, ativistas, entre outros. As vagas são limitadas e a residência tem duração de três meses.

A atividade vai explorar e abordar a noção de “transitoriedade ou senso de lugar e pertencimento” através da representação visual na história, na memória e na arte dos residentes. Uma das grandes atrações da residência será a aula inaugural que conta com a participação do Dr. Antonio Cuyler, fundador da Curley Consulting LLG. e Diretor do Programa de Mestrado e Professor Associado de Administração de Artes da Florida State University (FSU) e da Ugandense Martha Kazungu, fundadora da Njabala Foundation, curadora e historiadora de arte. Ela é mestre em artes verbais e visuais africanas com foco em curadoria e mídia na África pela Universidade de Bayreuth, Alemanha.

O que é:

(RAVC) é um programa de experimentação artística teórico-prático de três meses projetado para focar no processo de criação de novos trabalhos e desenvolvimento coletivo e cooperativo de artistas.

O que faz:

Explora um modelo alternativo de residência no espaço digital, promovendo um espaço criativo para os artistas experimentarem, trocarem ideias e habilidades, colaborarem em projetos, compartilharem recursos para dialogar com outros artistas, fornecer feedback e responsabilizar uns aos outros no cumprimento de prazos e oportunidades.

Como será:

Repensar as práticas artísticas além dos limites geográficos com a organização digital implementada na prática diária dos artistas. Totalmente online terá mentores fixos e convidados.

Quanto tempo: Serão três meses divididos em 13 semanas - o que dará de seis a oito horas por semana.

Aulas:

Serão três encontros por semana e um sábado a cada mês, 30 horas por mês e 90 horas totais de curso-residência.

Requisitos para Participar:

Não há. Diferentes de outros processos de residência artística, essa chamada, busca democratizar acesso e produção incluindo novos protagonistas em criações coletivas.

Chamada para:

Artistas, curadores, pesquisadores, coletivos, educadores, ativistas, entre outros.

Tem custo:

O curso-residência será ofertado de forma totalmente gratuita, mas existe uma taxa de inscrição.

Taxa de Inscrição:

Individual R$ 65,00 Coletivo (até cinco pessoas) R$ 150,00

Como será a Seleção:

Serão 100 vagas. A seleção se dará por análise do formulário, taxa de inscrição paga e a entrevista por vídeo.

E o Resultado:

Projetos serão selecionados para ingressar na 3a edição da Bienal Black; terão participação híbrida em exposição na rede internacional de museus femininos (International Association of Women’s Museums) e poderão receber cedência em espaço físico para a criação do projeto desenvolvido na residência.

Serviço:

2ª Residência Artística Virtual Compartilhada (RAVC-2) | Fluxos(in)Fluxo: Transitoriedade

Inscrição:

Até 15 de agosto de 2022

Programação:

blackbrazilart.com.br/ravc2

Black Brazil Art Site oficial:

blackbrazilart.com.br | Facebook: /BlackBrazilArt Instagram: @bienalblackbrazilart | Twitter: @blackbrasilart | YouTube: /BlackBrazilArt

Sobre a Black Brazil Art

A Black Brazil Art (BBA) tem a missão de promover a diversidade cultural nas artes e na cultura, promovendo o reconhecimento e a inclusão de todos os artistas e práticas artísticas, dando uma atenção especial às mulheres, cuja história absteu-se durante tempos. A BBA procura manter uma presença vigilante e crítica em relação às políticas e ações dos corpos artísticos e cultural, com o objetivo de melhor reconhecer os artistas e oportunizar espaço de reflexão e troca. A BBA trabalha para conscientizar a comunidade cultural sobre os obstáculos sistêmicos que impedem o desenvolvimento equitativo de artistas e das chamadas organizações de diversidade.

Sobre a Curadoria

Patrícia Brito

Curadora independente, museóloga, mãe, comunicóloga, empreendedora e pesquisadora de gênero e raça nas artes. É consultora na Enciclopédia do Itaú Cultural, membro da Associação de Curadores de Museus de Arte de Nova York e da Associação Internacional de Museus Femininos.

Sobre Njabala Foundation

Njabala é uma campanha multifacetada que se inspira em um mito popular de Njabala de Uganda para facilitar conversas sobre feminilidade. Nossa responsabilidade é fazer a curadoria de exposições periódicas, bem como organizar um programa público de atividades destinadas a criar espaços seguros para que artistas femininas prosperem e floresçam.

Créditos

Curadoria: Patrícia Brito (RS)

Apoio: Association of Art Museum Curators (AAMC), International Association of Women’s Museums (IAWM)

Parceria: Njabala Foundation

O “ELA - Espaço Luanda Arte” tem o prazer de o(a) convidar para a exposição individual e inaugural em Angola da jovem Artista Angolana Yola Balanga de nome “QUADROS DE GUERRA, CORPOS DE LUTO” esta sexta-feira dia 8 de Julho a partir das 18h. A entrada é livre.

BALANGA 

De acordo com Yola Balanga e Zaci Dombaxi Xinavane: ”Existem corpos que mereçam luto público e há corpos se apresentam desde sempre como precárias?, apropriando-se do discurso da filósofa Judith Butler que tem como marca de sua obra um pensamento transgressor e peculiar sobre questões de gênero, Yola Balanga traz a tona questões camufladas e romantizadas pelos centros de poder e olhares canonizados. Imbuída na redenção e desconstrução de (pre)conceitos que fazem parte da sua vivência como mulher, tais como corpo, gênero, cultura, religião e espiritualidade, a artista levanta o véu contra as ideias políticas de uma sociedade que rege e manipula esses conceitos como ferramenta de imposição, subjugação e limitação de corpos femininos.”

A exposição reúne 9 (nove) pinturas, 6 (seis) fotografias, 1 (uma) performance e 1 (uma) instalação, totalizando 17 (dezassete) obras, como referem: “resultado de reflexões a partir da romantização da zungueira, da mão leve para se resolver os problemas como a fuga a paternidade, estupro, pedofilia, violência doméstica, maternidade, aborto bem como outras reflexões ou quadros de guerra e corpos de luto que afectam o universo da mulher.”

Mais, Yola Balanga e Zaci Dombaxi Xinavane adiantam: “Dessas reflexões sobre o enquadramento do valor desses corpos surge uma ligação original entre a Guerra e as guerras contra todas as normatividades que nos constrangem e limitam, tal como enfatiza Butler “guerras servem como cenário para o desenvolvimento de uma filosofia política”. É neste cenário que a artista usa e coloca o seu corpo como objecto de combate, arma da revolução, Balanga faz emergir questões pertinentes aos espectadores e a sociedade, os quais todos os dias o noticiário também interpela: Quais corpos merecem luto público e quais corpos se apresentam desde sempre como precárias?”

BALANGA 

Yola Balanga é o nome artístico que usa Margarida Celestino Balanga. Descreve-se como uma “artista transdisciplinar”. Começou o seu contacto com as ´artes´ dentro do teatro e da moda, e mais tarde com a licenciatura em Artes Visuais e Plásticas pelo Instituto Superior de Artes / ISARTES, agora Faculdade de Artes. Utiliza principalmente a linguagem ´peformance´ para traduzir as suas propostas artísticas, assim como fotografia, video, instalação e pintura. Explora conceitos sobre espiritualidade e transcendência, corpo feminino, violência de género, questões sócio-políticas religiosas e culturais. É representada em Angola pela galeria ´ELA-Espaço Luanda Arte´.

O “ELA” é um espaço de arte contemporânea com mais de 7 anos de existência e após 2 anos de fecho devido à pandemia por COVID-19, re-abriu as suas portas ao grande público em 2022 no armazém Cunha & Irmão SARL / ex-Escola Portuguesa, situado na Rua Alfredo Troni 51/57, na baixa de Luanda ao lado do Ministério das Relações Exteriores. 

Depois da inauguração, esta mostra poderá ser visitada entre terça e domingo, das 12h às 20h, até 1 de Setembro.

Manthia Diawara

A Letter from Yene

Institut français du Royaume-Uni, Londres

21.07, 19h00

A estreia internacional de “A Letter from Yene” (2022), vídeo-ensaio da autoria de Manthia Diawara, acontece no Institut français du Royaume-Uni (Londres). Com produção de Maumaus/Lumiar Cité, o vídeo-ensaio resulta de uma comissão de Serpentine, MUBI e PCAI Polygreen Culture & Art Initiative, no âmbito do programa interdisciplinar Back to Earth da Serpentine, e conta com cofinanciamento de Direção-Geral das Artes/Ministério da Cultura e apoio de Heinrich-Böll-Stiftung, Dakar.

À apresentação do vídeo-ensaio segue-se uma conversa entre o artista e Hans Ulrich Obrist, diretor artístico da Serpentine.

©All rights reserved

“A Letter from Yene” acontece a partir de conversas com a comunidade que habita a cidade de Yene, na costa do Senegal, onde o artista vive parte do ano. A área era ocupada por pescadores e agricultores mas, nas últimas décadas, tem sido sujeita à erosão costeira e à urbanização descontrolada. O peixe tornou-se escasso e, como as pirogas, barcos tradicionais de pesca, não se podem deslocar até ao alto mar, os seus proprietários procuraram novas ocupações. A pesca moderna requer barcos motorizados e grandes redes feitas de fio não-biodegradável que se tornam letais quando se emaranham com os corais púrpura e os detritos humanos, acabando por dar à costa como criaturas tecidas pelo mar. As mulheres que costumavam tratar do peixe fumado e preservá-lo como parte de um modo de vida sustentável, agora vendem seixos aos proprietários das casas recém-construídas. A areia, o granito, as conchas e os seixos que os proprietários compram para construir, decorar e proteger as suas casas contra os ventos e o sal do mar contribuem, ironicamente, para a degradação das camadas inferiores do oceano e intensificam a erosão costeira.

O vídeo-ensaio desenvolve-se como se fosse uma carta escrita pelo artista ao espectador. O artista não é apenas o contador de histórias, mas também o proprietário de uma das casas ao longo da praia. A sequência de encontros entre os pescadores, as mulheres que apanham seixos e o artista explora a forma como as suas vidas entrecruzadas contribuem, coletiva e inconscientemente, para o enfraquecimento do ambiente que partilham.

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Manthia Diawara (Mali) vive e trabalha entre Abu Dhabi, Nova Iorque e Dakar. É Professor de Literatura Comparada na NYU Abu Dhabi. Entre os seus trabalhos em suporte filme ou vídeo, destacam-se: “Uma Ópera do Mundo” (2017); “Negritude, um Diálogo entre Soyinka e Senghor” (2015) “Édouard Glissant: Um Mundo Em Relação” (2009), “Maison Tropicale” (2008), “Rouch in Reverse” (1995) e, em conjunto com Ngugi wa Thiong’o, “Sembene Ousmane: The Making of the African Cinema” (1994). Entre as suas publicações, destacamse: “Cinema Africano - Novas Formas Estéticas e Políticas” (com Lydie Diakhaté, 2011), “Não Arredamos Pé” (2008/”We Won’t Budge: An African Exile in the World”, 2003), “BlackAmerican Cinema: Aesthetics and Spectatorship” (1993), “African Cinema: Politics and Culture” (1992) e “In Search of Africa” (1998). Os seus ensaios sobre a cultura das diásporas africanas foram publicados no The New York Times Magazine, LA Times, Libération, Mediapart, Artforum, entre outros.

Institut français du Royaume-Uni

17 Queensberry Pl

South Kensington

London

SW7 2DT

Book launch with Ruth Wilson Gilmore, Brenna Bhandar and Alberto Toscano.

‘Abolition is figuring out how to work with people to make something rather than figuring out how to erase something. Abolition is a theory of change, it’s a theory of social life.’
Gathering together Ruth Wilson Gilmore’s work from over three decades, Abolition Geography presents her singular contribution to the politics of abolition as theorist, researcher, and organiser, offering scholars and activists ways of seeing and doing to help navigate our turbulent present.

Abolition Geography moves us away from explanations of mass incarceration and racist violence focused on uninterrupted histories of prejudice or the dull compulsion of neoliberal economics. Instead, Gilmore offers a geographical grasp of how contemporary racial capitalism operates through an ‘anti-state state’ that answers crises with the organised abandonment of people and environments deemed surplus to requirements. Her approach escapes one-dimensional conceptions of what liberation demands, who demands liberation, or what indeed is to be abolished. Drawing on the lessons of grassroots organising and internationalist imaginaries, Abolition Geography undoes the identification of abolition with mere decarceration, and reminds us that freedom is not a mere principle but a place.

Ruth Wilson Gilmore is Professor of Earth and Environmental Sciences, and American Studies, at the Graduate Center of the City University of New York and teaches on the Maumaus Independent Study Programme in Lisbon. She is author of Golden Gulag: Prisons, Surplus, Crisis, and Opposition in Globalizing California (University of California Press, 2007) and Change Everything: Racial Capitalism and the Case for Abolition (Haymarket, 2021).

Copies of the book will be available for sale at the event.

Lumiar Cité
Rua Tomás del Negro, 8A
1750-105 Lisboa, Portugal

“Guizef “, artista plástico angolano, volta a Lisboa para apresentar o seu mais recente conjunto de trabalhos na exposição individual “Figuras e Cores”, que estará patente na Galeria Artistas de Angola, de 23 de junho a 24 de julho.

Giuzef 2022

Serão 20 obras, todas em acrílico sobre tela, onde os rostos, olhares e expressões angolanas estarão em destaque, com todos os seus detalhes, emoções e manifestações. A curadoria é do próprio Guizef, com apoio do Fotógrafo António Silva e do Arquitecto João Paixão Salvado.

A Galeria Artistas de Angola é em Lisboa, na Rua Sousa Lopes, N.º 12A.

Nas palavras de Guizef, “Figuras e Cores é o meu texto artístico, onde falo do meu povo, dos seus valores, das cores culturais e das suas evoluções e onde procuro apresentar o notável do “Made in África” dentro da máquina da globalização”.

Em todas as peças expostas é evidente a riqueza e variedade do povo angolano, as suas cores, vestes, adereços, manifestações e envolvência cultural. A expressão artística de Guizef traduz de forma perfeita a ancestralidade e a riqueza etnográfica das suas gentes. Não é fotografia, mas é como se fosse. O Realismo é puro, percetível e intrigante.

Augusto Zeferino Guilherme (Guizef), nasceu em Ambriz na província de Bengo (Angola), a 12 de janeiro de 1969, é autodidata e é talvez o pintor contemporâneo angolano mais entusiasmante e com maior expressão e crescimento. É membro da UNAP (União Nacional dos Artistas Plásticos), na sua visão artística a cultura africana incorpora uma fonte inesgotável de inspiração para cada uma das suas criações, tanto na pintura como na escultura. Guizef já realizou diversas exposições individuais e coletivas.

Giuzef 2022Giuzef 2022

Em dezembro de 2018 doou uma obra à princesa Charlene do Mónaco que posteriormente foi leiloada em Monte Carlo, na presença de sua alteza o Príncipe Albert II, para beneficência de crianças desfavorecidas no Líbano. Em 2020 foi o autor da peça q o Sr. Presidente da República Angolana ofereceu ao Papa Francisco no Vaticano. As suas obras já foram expostas em vários países, nomeadamente: Angola, Portugal, Itália, Noruega, Suécia e Emirados Árabes Unidos.

Convida-se os apreciadores e público a visitarem.

O projecto de investigação AfroLab – A Construção das Literaturas Africanas. Instituições e Consagração dentro e fora do Espaço de Língua Portuguesa 1960-2020 (PTDC/LLT-OUT/6210/2020) convida a comunidade académica a enviar propostas de trabalhos para o Simpósio Internacional AfroLab 2022 (10 e 11 de Novembro).

A chamada acolhe propostas de comunicação que se foquem nas literaturas africanas de língua portuguesa, com abordagem teórica centrada no conceito de instituição enquanto entidade reguladora (agente) responsável pelo processo de consagração de um corpo literário, aplicado às literaturas africanas de língua portuguesa em perspectivas fundamentadas pela Literatura-Mundo (Moretti 2000 e 2003, Casanova 1999, Warwick Research Collective 2015, e mais imediatamente vinculado ao projecto: Helgesson e Vermeulen 2016).

Comunicações com abordagens comparatistas são especialmente bem-vindas. Os resumos podem ser submetidos em língua portuguesa ou inglesa.

Os tópicos de interesse do Simpósio são:

– A instituição das literaturas africanas em língua portuguesa dentro do espaço da língua portuguesa, em países africanos de língua portuguesa, em Portugal e no Brasil, com especial atenção aos agentes responsáveis por os levar ao primeiro plano do campo literário, como editores, académicos e instituições públicas;

– Publicações sobre factos e histórias das literaturas africanas de língua portuguesa nos mercados editoriais portugueses, brasileiros e africanos, com ênfase particular nas condições de desigualdade entre as diferentes áreas;

– Instituições públicas e privadas que contribuíram para a construção do cânone literário das literaturas africanas de língua portuguesa, como corpos governamentais, agências literárias, instituições culturais, associações de escritores etc.;

– A dimensão académica da construção do cânone no mundo em língua portuguesa, considerando o protagonismo de alguns destacados estudiosos e outros intelectuais no aparecimento de tais literaturas.

Calendário

Resumos em português ou inglês com não mais do que 300 palavras devem ser enviados através do formulário disponibilizado em https://forms.gle/EhAyvnb6fNHdFBox8 até 15 de Julho de 2022.

Notificações de aceitação serão enviadas até 31 de Julho de 2022.

O Simpósio ocorrerá em 10 e 11 de Novembro de 2022 em forma híbrida (presencial e online), na Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa.

É pedido a cada proponente que indique a modalidade preferida (presencial ou online) aquando do envio da proposta.

Valor de inscrição

Em breve, a comissão organizadora dará informações relativas à inscrição e ao pagamento.

A equipa do projecto AFROLAB

Durante três dias, poetas e leitores de poesia conversam sobre livros publicados e por publicar, percursos na escrita, ressonâncias poéticas, o que cabe e o que sobra nos poemas.

Lisbon Revisited – Dias de Poesia é o encontro internacional de poetas que a Casa Fernando Pessoa organiza desde 2018 e que procura ser uma ocasião de convívio à volta da leitura. Este ano, os poemas conjugam-se em português e em espanhol. 

As sessões com os poetas serão transmitidas em direto nos canais digitais da Casa e ficarão disponíveis nesta página.

Programa

24 de junho 

19h às 21h - Abertura

Apresentação e leituras com todos os poetas:

Ana Martins Marques (Brasil), Felipe Benítez Reyes (Espanha), Hirondina Joshua (Moçambique), João Paulo Esteves da Silva (Portugal), Manuel Rivas (Espanha), Maria do Rosário Pedreira (Portugal), Miguel Cardoso (Portugal), Tatiana Faia (Portugal).

25 de junho

15h às 16h - Maria do Rosário Pedreira

Moderação: Aldina Duarte

16h30 às 17h30 - Manuel Rivas e Miguel Cardoso

Moderação: Susana Moreira Marques

18h às 19h - Tatiana Faia e João Paulo Esteves da Silva

Moderação: José Luís Costa

26 de junho

15h às 16h - Felipe Benítez Reyes

Moderação: Vasco Gato

Conversa em castelhano

16h30 às 17h30 - Ana Martins Marques e Hirondina Joshua

Moderação: Paola D’Agostino

18h30 às 19h30 – Encerramento

Luca Argel: Acima da rima a nota da canção

Performance de poesia e música

Bilhetes.

Hangar - Centro de Investigação Artística (Rua Damasceno Monteiro 12, 1170-108 Lisboa), sexta-feira, 24.06.22, 19h

Entrada livre

Projecção do filme “Abrir Monte” (Colômbia-Portugal, 2021, 25’, 16 mm. Transfer 4K) seguida de uma conversa entre María Rojas Arias e Raquel Schefer.

Uma programação de Raquel Schefer.

Still do filme 'Abrir Monte'

Iniciado em 2020, o programa “Seeing Being Seen: Territories, Frontiers, Circulations”, uma proposta de Raquel Schefer, procura indagar as questões que atravessam a produção cinematográfica e artística latino-americana contemporânea. Através de formas cinematográficas experimentais, os filmes do programa figuram situações sensoriais de exposição do observador ao olhar do outro, um “ver sendo visto”, experiências de co- presença próximas de um modelo de co-representação que excede o binarismo sujeito/objecto. Os processos de activação, agenciamento e circulação de pontos de vista (humanos e não-humanos: maquínicos, animais, vegetais, minerais) atravessam as obras do programa. Todas elas superam as representações coloniais da paisagem, da natureza e da figura humana, num quadro de reciprocidade e de desantropocentrização, aspecto fundamental num período de catástrofe ecológica iminente — e de ameaça aos povos ameríndios.

Sinopse

A 19 de Julho de 1929, numa aldeia da Colômbia, um grupo de sapateiros planeou uma revolução para transformar as relações de classe e propriedade no país – auto- intitulavam-se “Os Bolcheviques do Líbano Tolima”. Não há registo dessa tentativa revolucionária que durou um só dia. As mulheres da vereda encontram-se com Aura, uma anciã anarquista, com a convicção de que a rebelião se encontra ainda em curso.

Biografias

María Rojas Arias (Bogotá) é uma artista visual e cineasta, formada na Escola de Artes KASK de Gante. O seu trabalho artístico foca-se na imagem em movimento em contextos audiovisuais e instalativos. Trabalha com material de arquivo oficial e não-oficial, procurando articular de maneira expandida as relações com acontecimentos específicos do passado que constituíram, entre outros aspectos, discursos nacionais, políticas de guerra, fundação e colonização de espaços. É co-fundadora de La Vulcanizadora, Laboratorio de Creación en Cine, Artes Visuales y Teatro Expandido.
Recebeu o prémio Next Generation da Fundação Príncipe Claus (Holanda) pelo seu trabalho audiovisual relacionado com a memória da primeira guerrilha da América Latina. O filme Abrir Monte foi exibido em diferentes festivais, tais como Documenta Madrid, Ji.lhava, Beijing, FICUNAM, Oberhausen, Bogoshorts, MIDBO, FICValdivia e Kinoforum. Abrir Monte foi galardoado com o Prémio Short Joy do Ji.hlava International Documentary Film Festival e com o Prémio para a Melhor Curta-Metragem Latino-Americana do Festival Internacional de Cine de Valdivia.

Raquel Schefer é investigadora, realizadora, programadora e docente na Universidade Sorbonne Nouvelle — Paris 3. Doutorada em Estudos Cinematográficos e Audiovisuais pela Universidade Sorbonne Nouvelle com uma tese dedicada ao cinema revolucionário moçambicano, é mestre em Cinema Documental pela Universidad del Cine de Buenos Aires e licenciada em Ciências da Comunicação pela Universidade Nova de Lisboa. Publicou a obra El Autorretrato en el Documental na Argentina, bem como diversos capítulos de livros e artigos em Portugal e no estrangeiro. Foi Professora Assistente na Universidade Grenoble Alpes, docente nas Universidades Paris Est — Marne-la-Vallée, Rennes 2, na Universidad del Cine de Buenos Aires e na Universidad de la Comunicación, na Cidade do México, e investigadora convidada na Universidade da Califórnia, Los Angeles. É bolseira de pós-doutoramento da FCT no CEC/Universidade de Lisboa, no IHC/Universidade Nova de Lisboa e na Universidade do Western Cape e co-editora da revista de teoria e história do cinema La Furia Umana. No CEC, é coordenadora do grupo “Visual Culture, Migration, Globalization and Decolonization” e, no IHC, da Oficina de História e Imagem. É conselheira de programação do International Documentary Film Festival Amsterdam (IDFA).

4 julho a 7 outubro 2022   

Curadoria de Daniel Ribas

Entrada Livre · de terça a sexta · 14H00 – 19H00

Sala de Exposições da Escola das Artes da Católica

Rua de Diogo Botelho, 1327, 4169-005 Porto

“É Noite na América” é o nome da mais recente exposição da artista brasileira Ana Vaz, com curadoria de Daniel Ribas, que estará patente na Sala de Exposições da Escola das Artes da Universidade Católica no Porto. A inauguração da exposição está agendada para o dia 4 de julho, às 19h30, e integra o Programa Público da Porto Summer School on Art & Cinema 2022. “É Noite na América” é uma comissão e produção da Fondazione in Between Art Film e coproduzida pela Pivô Arte e Pesquisa e Spectre Productions. A exposição teve estreia mundial no prestigiado Jeu de Paume, em Paris, tendo seguido depois para Veneza. Chega, agora, ao Porto.

“Nesta exposição, a partir de materiais filmados em Brasília, Ana Vaz adensa a sua pesquisa sobre o confronto entre a utopia modernista da cidade com os animais, ditos ‘selvagens’, numa espécie de filme de terror experimental, questionando as nossas preconceções sobre cidade, natureza, humano ou ecologia”, refere Daniel Ribas, coordenador do mestrado em Cinema e curador da exposição da Escola das Artes da Universidade Católica no Porto.

Ana Vaz é uma das mais relevantes artistas e cineastas contemporâneas, tendo os seus filmes e exposições circulado por diversos museus, festivais e cinematecas. O seu trabalho é marcado por um constante desafio experimental sobre as formas poéticas do cinema contemporâneo, ressaltando as profundas contradições do nosso tempo, sobretudo com as práticas destruidoras das instituições.

“Azul meio-dia. Sol de verão. Um corpo morto no meio da calçada. Nenhum ruído a não ser o zunido dos carros. Os passos desaceleram enquanto me aproximo do corpo: pelos ásperos, compridos, rajados de preto e rosa, patas em arco, unhas compridas como se congelado em pleno movimento, focinho longo de quem a terra quer comer. O corpo do filhote desgarrado de uma mãe em luto, atropelou-me. Na estrada da cidade-avião, Necrópole transformada em oásis pelos arquitetos, milhares de vidas acurraladas buscam refúgio nos seus jardins. Como velar por este morto? O filhote de tamanduá a quem não encontro nome a não ser Fuga, atropelado pela ferocidade dos carros, envenenado pelas peçonhentas plantações, morto pela expansiva cidade que acurrala qualquer vida que não se adapte a ela. 55 milhões de anos, neste instante. Azul meia-noite. Os bichos retornam à cidade. Fazem ninhos nos parques de estacionamento. Celebram o lixo de seus habitantes num festim noturno que foge à tirania do sol, dos monumentos, das estradas, dos palanques. Feitiço animalesco contra o império da morte na calada da noite americana: tempo que faz do dia noite. Também tempo do bicho-cinema que tenta acompanhar Fuga através de sua própria pele de flme vencido, em vias de extinção. Analógica pele escamando o fm de um século marcado pela sua maior característica: o lixo. Analógico lixo resgatado como testemunha desta fauna em fuga da extinção” – É assim que a artista Ana Vaz retrata através de uma visão muito própria as criaturas da noite do jardim, ao mesmo tempo que faz o paralelismo com a vida na cidade e as suas inquietudes.

“É Noite na América” é uma exposição em formato de instalação fílmica gravada no jardim zoológico de Brasília, habitat de centenas de espécies resgatadas na cidade. Tamanduás, lobos-guará, corujas, cachorros-do-mato, capivaras, carcarás se encontram com biólogos, veterinárias, cuidadores e a polícia ambiental, que através de uma trama soturna onde os desafios da preservação da vida tecem uma trama de perspetivas cruzadas. Nesta iteração, a exposição expande-se de forma poética, assim como de arquivo, contos e conversas num diorama ilusionista onde é possível observar e sermos observados. No final de contas, quem são os verdadeiros cativos? As criaturas, ou nós? Uma exposição a não perder, patente na Escola das Artes da Universidade Católica no Porto até 7 de outubro. A entrada é livre e aberta a toda a comunidade. 

Sobre a artista:

Ana Vaz nasceu no planalto central brasileiro habitada pelos fantasmas enterrados pela capital federal modernista Brasília. Cerratense de origem e andarilha por escolha, Ana viveu nas terras áridas do Brasil central e do sul da Austrália, nos pântanos do norte Francês e nas margens orientais do Atlântico Norte em Portugal. Atualmente, traça a sua caminhada entre Paris e Brasília. Nos seus trabalhos questiona o cinema enquanto arte do (in)visível e como instrumento capaz de desumanizar o humano, expandindo as suas conexões e devires com outras formas de vida — tanto humanas, como espectrais.

Consequências ou expansões da sua cinematografia, as suas atividades incorporam-se também na escrita, na pedagogia crítica, em instalações ou caminhadas coletivas.

Os seus filmes foram apresentados em festivais de cinema, seminários e instituições tais como a Tate Modern, Palais de Tokyo, Jeu de Paume, Berlinale Forum Expanded, New York Film Festival, TIFF Wavelengths, Cinéma du Réel, Courtisane, entre outros. Destacam-se algumas das suas exposições recentes: “Penumbra” exposição coletiva no Complesso dell’Ospedaletto (Veneza), “É Noite na América” exposição individual no Jeu de Paume (Paris), “Os filmes de Ana Vaz” exposição individual no Dazibao (Montréal), 36º Panorama de Arte Brasileira “Sertão” exposição coletiva no MAM (São Paulo), “Meta-Arquivo 1964-1985: Espaço de Escuta e Leitura de Histórias da Ditadura” exposição coletiva no Sesc-Belenzinho (São Paulo) e “Profundidad de Campo” exposição individual no Matadero (Madrid). Em 2015, recebeu o Kazuko Trust Award concedido pela Film Society of Lincoln Center em reconhecimento da excelência artística e da inovação do seu trabalho em imagem em movimento. Em 2019, recebeu o apoio do Sundance Documentary Film Fund para completar o seu primeiro longa-metragem.

Ana Vaz é também integrante e fundadora do coletivo COYOTE, juntamente com Tristan Bera, Nuno da Luz, Elida Hoëg e Clémence Seurat, um grupo interdisciplinar que trabalha nos campos da ecologia e ciência política através de formas experimentais (conversas, derivas, publicações, eventos e performances).

Inauguração: Culturgest Lisboa, 24 de junho, entre as 22:00 e as 00:00. Curadoria: Bruno Marchand

Mattia Denisse, (…) que vai de mundo a mundo (…) 2021 (da série Húmus)Hápax é a mais extensa apresentação do trabalho de Mattia Denisse (Blois, França, 1967) até à data.

Distribuídos por sete núcleos, os desenhos e as serigrafias reunidas na exposição permitem conhecer os grandes eixos de produção que o artista desenvolveu nos últimos quinze anos e através dos quais se desvenda um universo tão singular na sua identidade quanto múltiplo nos seus interesses. Tudo o que é da ordem da realidade, mas também da surrealidade, do sonho, da especulação, do fantasma, do espanto e dos fenómenos subtis, tem cabimento à luz da atenção do artista.

Um certo apreço pelo estudo e pelos métodos científicos detém, contudo, maior peso na sua obra. É por isso que nela abundam noções como ensaio, tratado, história, compêndio, ou alusões a ramos da ciência como a geometria, a ótica, a física ou a patafísica: todos eles instrumentos para a observação e reificação de um mundo interior caleidoscópico.

“Chá de Beleza Afro: Empoderando a mulher a cada dia”

Hoje, dia 15 de Junho às 20:00H, realizar-se-á um Jantar de networking no Espaço Espelho d’ Água, que pretende dar continuidade 6ª edição do “Chá de Beleza afro”, ocorrida a 4 de Junho no Fórum Lisboa.

CBA tem como objetivo criar espaços de partilha de experiências pessoais, profissionais e ligadas ao empreendedorismo. É um evento de networking e afroempreendedorismo onde uma série de oradores que abordam temas inclusivos e representativos da mulher negra, dando-lhes assim uma voz e um espaço de discussão de muitas realidades partilhadas entre si. A mais recente edição teve como tema “Vive o teu sucesso”, com testemunhos e dinâmicas que procuraram motivar os seus participantes em direção ao sucesso.

O jantar que vai suceder este evento, pretende dar seguimento a este tema, de modo a aprofundar a conversa sobre o que é o sucesso nas suas diferentes possibilidades e ambivalências. Vai contar ainda com a presença de personalidades como a ex-ministra da justiça Francisca Van-Dunem, a atriz e apresentadora Nádia Silva, a historiadora Joacine Katar Moreira, o jornalista Conceição Queiroz, a deputada Romualda Fernandes e muitas mais.

Sobre CBA

CBA é um evento que visa promover o afroempreendedorismo e networking, através de palestras e testemunhos de personalidades que inspiram e são fonte de inspiração. Conta também com momentos musicais de artistas afrodescendentes e com uma homenagem a uma figura de destaque.

O evento decorreu no passado dia 4 de Junho presencialmente no Fórum Lisboa, das 14h00 às 00h00, contou com oradoras e oradores de diversas áreas, nomeadamente Romualda Fernandes, da esfera política; a apresentadora Nádia Silva, a atriz e modelo Ana Sofia Martins e a estilista Roselyn Silva, da moda, entre outras/os do empreendedorismo, coaching, consultoria de imagem, e não só.

O Chá de Beleza Afro é um evento genuinamente inclusivo e representativo que nos últimos anos tem promovido o encontro e aproximação entre a comunidade negra e afrodescendentes que vive e passa por Lisboa.

Através da sua dinâmica de relação próxima entre participantes e oradores, esta rede tem permitindo a criação de parcerias e sinergias para a valorização e promoção da africanidade em vários domínios, quebrando estigmas e preconceitos sociais em relação às pessoas e certas profissões, e colocando lado a lado, com todo o mérito e humanismo, exemplos tradicionais e improváveis de sucesso. A escolha do tema “Vive o Teu Sucesso” justifica-se numa altura em que muito se fala de autocuidado, aceitação, autoconhecimento, e cada vez mais temos acesso a informações que nos levam a questionar quem realmente somos e que caminho queremos seguir colocando o sucesso muitas vezes como algo intangível ou condicionado a fatores diversos.

“Mas, afinal o que é o sucesso?” A sexta edição ajudou os participantes a refletirem e encontrarem respostas sobre isso. O evento foi dividido entre palestras, dinâmicas adaptadas ao tema, testemunhos reais, momentos culturais, uma tarde e noite que proporcionou aos participantes uma tarde rica em debate e ação empoderadora com foco na mulher africana e afrodescendente,mas incluindo todos, independentemente do género ou nacionalidade, que se interessem sobre empreendedorismo, inclusão e humanismo.

Redes Sociais:

Instagram: @chadebelezaafro

Facebook @chadebelezaafro

A Festa do Pensamento, parte integrante do New European Bauhaus Festival, vai debater temas como crise climática, justiça social, democracia ou racismo, através da música, poesia, leitura dramática e oficinas, no Solar dos Zagallos, em Almada.

No fim de semana de 11 e 12 de junho, o Solar dos Zagallos, na Sobreda, vai receber concertos, debates, oficinas e leituras dramáticas, que vão envolver o público diretamente na ação. 

Trata-se de uma festa para celebrar uma das principais características da humanidade: a faculdade de pensar. A Festhink - festa do pensamento - propõe uma reflexão conjunta de filósofos, atores, músicos, arquitetos, jornalistas e também do público, de todas as idades, sobre temas que, sendo profundos, tocam-nos da forma mais banal no nosso dia a dia, como a crise climática, a justiça social, o racismo ou a democracia.

A FesThink procura trazer a arte do diálogo para o centro das relações sociais e contribuir ainda para a disseminação do pensamento crítico na sociedade, como ação política, mas também de fruição.

O Comissário do Plano Nacional das Artes, o docente, ensaísta e curador Paulo Pires do Vale; o Professor Catedrático do Departamento de Filosofia da Universidade Nova de Lisboa, João Constâncio; o arquiteto e escritor vencedor do Prémio Leya 2021, José Carlos Barros; a ativista interseccional e artista multidisciplinar Nuna; a filósofa do ambiente Sofia Guedes Vaz; o filósofo e músico Bartholomew Ryan; a atriz Rita Durão; o autor da banda sonora da série “Coisa Mais Linda”, o brasileiro João Erbetta e a Academia de Música de Almada são alguns dos vários nomes que vão protagonizar uma programação transdisciplinar, que junta o exercício de pensar ao de imaginar. Confira a lista de todos os participantes aqui.

A programação abre com a palestra/oficina A Arte de Florescer, que vai explorar as possibilidades de uma vida ecológica na filosofia e na arte como uma forma de coexistência, criativa e crítica. No Jardim do Solar dos Zagallos, os participantes serão convidados à prática de pequenos exercícios de observação do que está à volta. Os debates serão entrecortados por música, leitura perfomática e de poemas. Confira a programação completa aqui.

Os dois dias da Festa serão apenas o início de um projeto que pretende envolver a comunidade de Sobreda ao longo do ano, levando a uma nova Festa em 2023, revela a Diretora da FesThink, Mirna Queiroz: “A convocação para a reflexão não se furta ao sentido prático do conhecimento. O que define a FesThink é a ideia de “Refazer o mundo”. Com isso, coleccionamos e, de certa forma, contamos projetos que buscam uma ideia de reconstrução a partir da cidade, do bairro, da escola, de casa, obedecendo a uma lógica que privilegie as relações nas suas múltiplas dimensões. Como propõe a filosofia andina do “bem viver”, o FesThink expressa-se através de uma noção de memória e horizonte. Tradição e Vanguarda. Passado e futuro. Sem perder de vista a urgência do agora. No final deste ano de ocupação, novamente a Festa, para celebrar o feito e apontar um novo desafio.”

Festa é um dos capítulos de Festival internacional

A FesThink integra o New European Bauhaus Festival, uma iniciativa da União Europeia que reúne pessoas de todas as esferas da vida para debater e moldar um futuro mais sustentável.

Os principais temas do Festival são beleza, sustentabilidade e inclusão. Compartilha os mesmos objetivos da FesThink, de construir conexões entre diferentes atividades e indivíduos, entre os mundos da pesquisa, ciência e tecnologia, aos da educação e engajamento civil, da arte e da cultura.

O quê?
Festhink - Festa do pensamento
Todas as sessões são gratuitas (sujeito a lotação do espaço)

Onde?
Solar dos Zagallos, 
Largo António José Piano Júnior, Sobreda, Almada

Quando?
Dia 11 das 10h às 18:30
Dia 12 das 15h às 19:45.

Nota. Por cortesia, a equipe do Zagallos oferece uma visita guiada pelo Solar, imponente edifício construído no século XVII, no dia 12, das 11h às 12h. As inscrições podem ser feitas pelo seguinte email: solar@cma.m-almada.pt 

Cosmos

23 jun - 3 jul 2022

qua - sáb, 19h > dom, 16h

Sala Garrett, D.Maria II

O que existiu, existe e existirá.

Cosmos é a segunda parte de uma trilogia em construção. Uma viagem interplanetária, onde se procura um tesouro para a criação de um novo mundo. Nesta viagem, será impossível não questionar a humanidade e o caminho percorrido até aos dias de hoje. Uma jornada de onde se extrapolam diferentes futuros possíveis. Do individual ao coletivo, do micro ao macro, este espetáculo tem a intenção de aprofundar as mitologias que circundam a criação do mundo. Uma epopeia onde o tempo e o espaço se confundem, dando origem a uma sobreposição de acontecimentos reais e/ou ficcionais.

Através do resgate da mitologia africana e da sua mistura com mitos europeus, Cosmos projeta-se num horizonte afrofuturista, enquanto questiona se somos apenas frutos das histórias que nos contam. Todo o Griot carrega como destino não deixar morrer a sua história.

direção artística e criação Cleo Diára, Isabél Zuaa, Nádia Yracemacom Ana Valentim, Ângelo Torres, Bruno Huca, Cleo Diára, Isabél Zuaa, Luan Okun, Mauro Hermínio, Nádia Yracema, Paulo Pascoal, Vera Cruzconsultoria artística Welket Bunguéapoio à dramaturgia Melissa Rodriguesapoio à criação Mário Coelho, Inês Vazmúsica original Nuno Santos (Chullage), Carolina Varela, Yaw Tembecenografia Tony Cassanellivídeo Felipe Drehmerfigurinos Eloísa D’Ascensão, Mónica Lafayette
fotografia e design de imagem de cartaz Marco Maiato
administração Cama A.C Daniel Matos, Joana Flor Duarteprodução executiva Maria Tsukamoto produção Cama A.Ccoprodução Teatro Nacional D. Maria IIresidências artísticas O Espaço do Tempo, Teatro Viriato

Sessão com interpretação em Língua Gestual Portuguesa e Conversa com artistas após o espetáculo

26 jun > dom, 16h

Sessão com Audiodescrição

3 jul > dom, 16h

©Márcio MatosOut and about for some time now, under his own name but also as part of the long-standing Tia Maria crew, Danifox refreshes the scene in 2022 with this distinctive EP. In quasi-permanent flirt with the dancefloor, the producer unfolds organic textures, bass and very lively drums to pass along this feeling of spontaneous creativity. “I want to write this song again” is repeated over and over in “SOLO”, supported by suspenseful piano and various types of percussion. The bass appears to tie everything together, just occasionally grounding the groove.

“Sanidade” is similar in tone and construction, a brief, odd, 01:51 of loose vocals, brass and beats, a non-formatted structure, weird patterns, oozing style.

But the opener “Criança” already gives away all the science at work here. Bouncy yet introspective, Dani’s hands sounding like a virtual band of jamming musicians. A rich and unexpected dance tune.

Up one level in “Long Way Talk (Reprise)”: the organic core, by now clearly a signature, complemented by a discreet bleep, introducing a deep house sub-structure that suddenly vanishes 30 seconds before the end.

Still further on, “Lost” is the closest to a peak-time banger. Bleeps and hand drums go wild over a steady beat, the piano still keeping a circumspect tone, never giving the whole entirely away to a carefree dance mode.

A permanent game of body and soul acting out their respective claims over sound, we sense Danifox is fully present, respectful of a natural flow, and upon reaching “No Stage” it’s hard not to take note of the masterful balance between organic and synthetic, happy and sad, timid and confident. There’s definitely a voice here.

Listen here.

Danifox. ©Marta Pina

Agenda: 

2 de Julho

Jardim de Verão na Fundação Gulbenkian

7 de Julho

Palco WTF do festival NOS Alive

A editora Príncipe apresenta 2 showcases no festival Primavera Sound: 

Sexta-feira na edição de Barcelona, Príncipe 10 Anos c/ DJ Firmeza, DJ Kolt, DJ Lycox e DJ Marfox

Sábado na edição do Porto, Príncipe 10 Anos c/ DJ Firmeza, DJ Kolt, DJ Marfox e Nídia, ambos no palco - e com transmissão - Boiler Room.

***

Artist: DJ Danifox

Title: Dia Não Mata Dia

Label: Príncipe

Formats: Digital

CAT#: P047

Release date: 10 June 2022 

Tracklisting

1. Criança

2. Long Way Talk (Reprise)

3. Sanidade

4. Lost

5. Solo

6. No Stage

Written and produced by PT Musik

Mastered by Pedro Cardoso (DJ N.K)

Artwork by Márcio Matos