Frente, verso, inverso

ARTE CONTEMPORÂNEA DOS PAÍSES DE LÍNGUA PORTUGUESA NAS COLEÇÕES EM PORTUGAL

Dia 18 de setembro​ | 18h30| Galeria de Exposições, Av. da Índia, n.º  110, Lisboa.

15.09.2018 | por martalanca | arte contemporânea

9 Artistas portugueses em exposição em Berlim

Ana Rito, Ângela Ferreira, Cecília Costa, Filipa César, Isabel Carvalho, Jorge Dias, Julião Sarmento, Noé Sendas e Pedro Barateiro.

“O Estado das Coisas”, com curadoria de João Silvério, é composta por obras de nove artistas cujo trabalho pertence ao universo da lusofonia que no âmbito do seu trabalho circulam neste espaço.

Ângela Ferreira 'Hotel da Praia Grande (O Estado das Coisas)'Ângela Ferreira 'Hotel da Praia Grande (O Estado das Coisas)'

O título resgata o subtítulo da obra de Ângela Ferreira, “Hotel da Praia Grande (O estado das coisas)” no sentido de auscultar, na resumida escolha de obras da coleção, o sujeito e o seu contexto físico e psicológico enquanto habitante transitório da cidade, ou da casa, entre o que é íntimo e o que está na esfera da relação com os meios económicos e as transições políticas.

7 de junho a 14 de setembro no Camões – Centro Cultural Português em Berlim. 

 

17.06.2018 | por martalanca | arte contemporânea, Berlim

Now it is Light - Open Call Jovens Curadores 2016

Curadoria: Sofia Lemos I Amélie Bouvier, Ana Manso, Ana Mazzei, Andreia Santana, Bernard Lyot, Davide Zucco, Elias Heuninck, Ester Fleckner, Haris Epaminonda, Jeronimo Voss, Pedro A.H. Paixão

Now it is Light, com curadoria de Sofia Lemos, inaugura na Galeria Boavista no próximo dia 25 de janeiro às 18h30. Envolvendo práticas artísticas que abordam o “geocosmos” como um agente em movimento, a exposição reúne trabalhos dos artistas Amélie Bouvier, Ana Manso, Ana Mazzei, Andreia Santana, Bernard Lyot, Davide Zucco, Elias Heuninck, Ester Fleckner, Haris Epaminonda, Jeronimo Voss e Pedro A.H. Paixão, muitos deles mostrados pela primeira vez em Portugal.

Inspirada na demanda de um astrónomo convertido em geólogo mineiro por matéria radiante, esta exposição explora a ebulição cósmica através de uma trama política, científica e narrativa. Enquanto as efusões cósmicas são progressivamente mediadas sob a forma de bens e ativos, metais e minerais permanecem capturados em delimitações políticas e corporativas. E ainda assim, encrostados na superfície planetária como registros sedimentares, estes elementos evidenciam-se em diversas posições artísticas que os reclamam em contínua emergência. De título homónimo ao poema de 1955 de Frank O’Hara e de forma a evidenciar processos e manifestações, Now it is Light ficciona a luminescência do mundo enquanto substância narrativa para interrogar o pulsante encontro entre a observação astronómica e as economias de extração.

Esta exposição apresenta trabalhos de imagem em movimento, desenho, instalação e contribuições de arquivos científicos que investigam a luminosidade do mundo, ou as qualidades através das quais a luz se contrai, reflete, refrata, difrata ou atravessa sem afetação aparente a verticalidade do tempo “geocósmico”. Da perenidade do plano astronómico à acelerada cadência da extração de recursos, Now it is Light é um espaço de materializações inanimadas, de metais, minerais e estrelas cuja magnitude é apenas parcialmente apreendida.

Uma apresentação complementar de investigação curatorial e de materiais de arquivo reunirá referências de levantamentos astronómicos, geológicos e económicos que existem como ponto de partida desta exposição. Uma publicação a ser editada incluirá um ensaio visual de Coco Piccard, e um prefácio curatorial sob a forma de ensaio abordando a emergente inseparabilidade entre as contribuições artística e arquivística. Now it is Light é comissariada por Sofia Lemos, com o apoio da EGEAC – Galerias Municipais – Open Call para Jovens Curadores 2016.

Amélie Bouvier (1982, França) vive e trabalha em Bruxelas. O seu trabalho tem sido apresentado em exposições individuais: Museo Patio Herreriano, Valladolid; e Carpe Diem, Arte e Pesquisa, Lisboa; bem como em numerosas exposições coletivas: Plataforma Revólver, Lisboa; Verbeke Foundation, Kemzeke; 16ª Bienal Internacional de Arte de Cerveira; e 6ª Bienal de Arte e Cultura de São Tomé e Príncipe. Obteve os prémios: Hors d’OEuvre, ISELP; e Best Emerging Artist, Just Mad Fair. Bouvier é cofundadora do projeto de investigação “Uncertainty Scenarios” no EfRS Enough Room for Space, Bruxelas.

Ana Manso (1984, Portugal) vive e trabalha em Lisboa. O seu trabalho tem sido apresentado em exposições individuais: art3, Valência; Museu de Serralves, Porto; Uma certa falta de coerência, Porto; bem como em numerosas exposições coletivas: Futura Centre for Contemporary Art, Praga; Ar Sólido, Lisboa; Palazzo Milio, Ficarra; Fondazione Rivolidue, Milão; Museo Di Capodimonte, Nápoles; Plataforma Revólver, Lisboa; Spike Island, Bristol; e Museu da Eletricidade da EDP, Lisboa.

Ana Mazzei (1979, Brasil) vive e trabalha em São Paulo. O seu trabalho tem sido apresentado em exposições individuais: Saludarte Foundation, Miami; Pivô, São Paulo; CCSP, Centro Cultural São Paulo; e La Maudite, Paris; bem como em numerosas exposições coletivas: Sesc_Videobrasil 20, São Paulo; CAC, Vilnius; 32ª Bienal de São Paulo; Sunday Painter, Londres; BFA Boatos, São Paulo; Fondación Rac, Madrid; Museu de Arte Brasileira/Fundação Armando Alvares Penteado, São Paulo, entre outros. Mazzei é docente no Istituto Europeo di Design São Paulo.

Andreia Santana (1991, Portugal) vive e trabalha em Lisboa. O seu trabalho tem sido apresentado em exposições individuais no Museu de Serralves, Porto; bem como em numerosas exposições coletivas: Old School, Lisboa; MAAT – Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia, Lisboa; Zaratan – Arte Contemporânea, Lisboa. Santana obteve o Prémio Revelação do Novo Banco, bem como as residências: Residency Unlimited, Nova Iorque; Panal 360, Buenos Aires; Mieszkanie Gepperta, Breslávia; e Gasworks – Triangle Network Hangar, Lisboa.

Bernard Lyot (1897-1952) foi um astrónomo francês que trabalhou no Observatório Meudon em Paris. Em 1939, utilizando o seu cornógrafo e filtros captou as primeiras imagens em movimento de proeminências solares e da coroa sem ser numa situação de eclipse total do sol. No mesmo ano foi eleito membro da Academia de Ciências e galardoado com a Medalha de Ouro da Real Sociedade de Astronomia em Inglaterra.

Davide Zucco (1981, Itália) vive e trabalha em Berlim. O seu trabalho foi apresentado em exposições individuais: NURTUREart, Nova Iorque; bem como em numerosas exposições coletivas: Fondazione Bevilacqua La Masa, Veneza; ARCOS, Benevento; State Institute of Sofia, Bulgária; Museo de la Ciudad de México, Cidade do México; Jaus, Los Angeles; e Katzen Arts Center, Washington, D.C. Zucco participou das residências: Lower Manhattan Cultural Council’s Process Space, Nova Iorque; ISCP, Nova Iorque; e Bevilacqua, La Masa, Veneza.

Elias Heuninck (1986, Bélgica) vive e trabalha em Ghent. O seu trabalho foi projetado no IFFR, International Film Festival Rotterdam; Beursschouwburg, Bruxelas; e iMAL, Bruxelas, entre outros. Desde 2015 Heuninck sustem uma colaboração com Sofia Lemos e numerosos investigadores e instituições artísticas e científicas em Bruxelas sobre o astrónomo belga Jean-Charles Houzeau de Lehaie. Os seus filmes são distribuídos por August Orst e Werktank.

Esther Fleckner (1983, Dinamarca) vive e trabalha em Berlim. O seu trabalho tem sido apresentado em exposições individuais: Malmö Konsthall; Overgaden Institute of Art, Copenhaga; bem como em numerosas exposições coletivas: Kunstnernes Hus, Oslo; KH7 Artspace, Aarhus; Schwules Museum, Berlim; LWL – Museum für Kunst und Kultur, Münster; National Art Museum of Ukraine, Kiev; Latvian Centre for Contemporary Art, Riga; e Dalian Art Museum, Liaoning Sheng, entre outros. Fleckner obteve o Art Brussels Solo Prize.

Haris Epaminonda (1980, Chipre) vive e trabalha em Berlim. O seu trabalho tem sido apresentado em exposições individuais: FRAC Île-de-France, Paris; Point Centre for Contemporary Art, Nicósia; Modern Art Oxford; Kunsthaus Zürich; e Museum of Modern Art, Nova Iorque, entre outros; bem como em numerosas exposições coletivas: Hammer Museum, Los Angeles; Fondazione Prada, Milão; Museu de Serralves, Porto; Hamburger Bahnhof, Berlim; e Kunsthalle Lissabon, Lisboa, entre outros. Epaminonda correpresentou Chipre na 52ª Bienal de Veneza e participou na dOCUMENTA 13.

Jeronimo Voss (1981, Alemanha) vive e trabalha em Frankfurt am Main. O seu trabalho tem sido exibido em exposições individuais: Stedelijk Museum Bureau Amsterdam; Bielefelder Kunstverein; e MMK Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main; bem como em numerosas exposições coletivas: FACT Liverpool; Clark House Initiative, Bombaim; Haus der Kulturen der Welt, Berlim; Fondazione Nicola Trussardi, Milão; e Secession, Viena, entre outros. Voss participou na dOCUMENTA 13 e é docente no Art Institute HGK FHNW Basel.

Pedro A. H. Paixão (1971, Angola) vive e trabalha em Milão. O seu trabalho tem sido apresentado em exposições individuais: Fundação Carmona e Costa, Lisboa; Ar Sólido (com Catarina Dias), Lisboa; Museu do Dinheiro, Lisboa; bem como em numerosas exposições coletivas: Centro de Arte Manuel de Brito, Lisboa; Centro Internacional de Artes José de Guimarães, Guimarães; Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa; e Centro Cultural de Belém, Lisboa. Paixão é editor, tradutor e fundador do projeto editorial disciplina sem nome para a editora Documenta.

Sofia Lemos (1989, Portugal) vive e trabalha em Berlim e no Porto. Atualmente é curadora associada da Galeria Municipal do Porto, tendo recentemente trabalhado como investigadora associada na Haus der Kulturen der Welt, Berlim e como coordenadora do programa público da Contour Biennale of Moving Image 8. Anteriormente, coordenou projetos de investigação artística com o Massachusetts Institute of Technology e com o Max Plank Institute, e esteve envolvida na investigação e preparação de exposições e publicações em várias instituições, incluindo Museo de Arte Moderno de Buenos Aires; CCA Singapore; PRAXES, Berlim; The David Roberts Art Foundation, Londres; e MACBA, Barcelona. Lemos é cofundadora (com Alexandra Balona) de PROSPECTIONS for Art, Education and Knowledge Production, uma assembleia peripatética de investigação em artes visuais e performativas, e editora associada da publicação Drawing Room Confessions. Escreveu textos para vdrome, art-agenda, …ment, e Archis/Volume, entre outros.

No âmbito do Open Call Jovens Curadores lançado pela EGEAC - Galerias Municipais em 2016, com o objetivo de acolher, divulgar e apoiar a produção e pensamento artístico contemporâneo na cidade de Lisboa, e reforçar a importância dos jovens curadores como agentes de mediação junto das novas gerações de artistas, a Galeria Boavista acolhe os quatro projetos curatoriais vencedores. As participações anteriores envolveram Alejandro Alonso Diaz, Sara De Chiara e Inês Geraldes Cardoso. A edição final acolhe Sofia Lemos.

Galeria Boavista Rua da Boavista, 501200-066 Lisboa I
Inauguração: 25 janeiro 2018, 18h30 26 janeiro - 10 março 2018 I Terça a Sexta-feira, 10h-13h/14h-18h Sábado e Domingo, 14h-18h Entrada gratuita Organização GALERIAS MUNICIPAIS DE LISBOA/EGEAC

22.01.2018 | por martalanca | arte contemporânea, Now it is Light, Sofia Lemos

Fuck it’s too late, de Binelde Hyrcan

Primeira exposição individual do artista Binelde Hyrcan em Portugal. Com curadoria de Ana Cristina Cachola, a exposição fuck it’s too late reúne um conjunto alargado de trabalhos, na sua maioria inéditos e criados entre o atelier do artista em Luanda e a cidade de Lisboa.

Com instalação, pintura, fotografia, vídeo e outros “mambos”, Hyrcan traz até à Balcony toda a “sua banda” – candongueiros, jacarés e artefactos “hidráulicos”, histórias de rua e vozes dos manos e manas que com ele criam economias de afetos na Luanda contemporânea. Entre os novos trabalhos, destaca-se a frase que dá título à exposição - fuck it’s too late, escrita a néon e que Hyrcan quer manter aberta à pontuação de cada visitante.

“fuck it’s too late para que um artista angolano possa enviar uma galinha para o espaço, uma história que só faz sentido se contada por Binelde Hyrcan em discurso directo. Contudo, Fuck is too late  refere também a  ambiguidade latente da ideia de tempo e temporalidades na sua relação com a dimensão sócio-local da economia. Partindo do contexto da Luanda contemporânea, aliás, da ilha de Luanda, onde Hyrcan reside com a sua família, o artista recupera diversas camadas biográficas, configuradas em conversas, visualidade vernácula, e um comércio benigno de afetos e produtos distintos. Hyrcan, que nunca abandona o registo tragicómico, traz à discussão uma economia angolana obliterada do discurso mediático: o comércio local, os candongueiros, as relações pessoais que permeiam as trocas ou as vontades comerciais”, descreve a curadora Ana Cristina Cachola.

Binelde Hyrcan (Luanda, 1982). Vive e trabalha em Luanda. Estudou artes plásticas no Mónaco e a sua produção cruza escultura, pintura, design, vídeo-arte e performance. Os diferentes suportes são os mecanismos utilizados pelo artista para refletir paradoxos e complexidades, de costumes e atitudes político-sociais, criticando, desta forma, estruturas de poder e vaidade humana. O artista tem vindo a desenvolver projetos artísticos em várias cidades por todo o mundo. Das suas exposições individuais, destacam-se a abertura da 2ª Trienal de Luanda - Angola (2016) e No Restriction, II Columbia Gallery, Mónaco (2014). Uma seleção das suas exposições coletivas inclui: How to Live Together, Kunsthalle Vienna - Áustria (2017); Gran Turismo no Centre Pompidou - Paris, França, Capital Debt – Territory – Utopia na Nationalgalerie im Hamburger Bahnhof - Berlin, Alemanha, (2016); 56ª Edição da Bienal de Veneza, artista representante de Angola com o tema, All the World ́s Futures (2015); No Fly Zone, no Museu Berardo - Lisboa, e Transit, na Bienal de São Paulo - Brasil (2013).

A galeria Balcony inaugurou no dia 20 de setembro com a exposição New Work, que até 11 de novembro mantém patente uma seleção de trabalhos dos cinco artistas que inspiraram a criação do projeto, são eles Binelde Hyrcan, DeAlmeida ESilva, Horácio Frutuoso, Nikolai Nekh e Tiago Alexandre. A inauguração da exposição fuck it’s too late, no dia 16 de novembro, insere-se no roteiro das arte do Bairro de Alvalade, com a Galeria Vera Cortês a inaugurar no mesmo dia 2 desenhos, 2 esculturas de José Pedro Croft, a Fundação Leal Rios, a galeria Maisterravalbuena e a nova Uma Lulik, com horários alargados. 

BALCONY CONTEMPORARY ART GALLERY Rua Coronel Bento Roma 12A, Alvalade - Lisboa

17 de novembro de 2017 a 13 de Janeiro de 2018 - Inauguração: 16 de novembro, 22h

www.balcony.pt

06.11.2017 | por martalanca | angola, arte contemporânea, Binelde Hyrcan

"Limiar da Vida"

FILIPA CÉSAR | TATJANA DOLL  I JULIÃO SARMENTO | RUI TOSCANO
Núcleo de Arte da Oliva Creative Factory, S. João da Madeira

Curadoria: Pedro Lapa 

“A exposição “Limar da Vida” tem como ponto de partida a arte enquanto diversidade de modos de relação com a vida. Está organizada em seis núcleos temáticos, que vão desde as perceções mais simples e fragmentadas do corpo até à construção de formas e enigmas sobre o mundo que habitamos. É talvez no confronto com a impossibilidade de conhecer em absoluto a vida que a experiência artística dá a conhecer algo do nosso habitar,  pelo que a vida se torna não uma causa da arte mas o seu limiar.”

A exposição apresenta obras  da coleção Norlinda e José Lima, uma das maiores coleções de arte contemporânea nacionais e reúne vários artistas de distintas gerações, conforme lista anexa.” Entre os artistas selecionados destacamos a participação de Filipa César, Tatjana Doll, Julião Sarmento e Rui Toscano.

Rui Toscano, 100 Rádios Mortos, 2007Rui Toscano, 100 Rádios Mortos, 2007

Mais informação:
http://olivacreativefactory.com/wp/?page_id=834

16.09.2017 | por martalanca | arte contemporânea

Exposição Luuanda I Hangar

Albano Cardoso_Defendamos as Crianças,2008Albano Cardoso_Defendamos as Crianças,2008

Inauguração: 20 de Setembro, Quarta-feira, 19h
Exposição: 21 de Setembro a 14 de Outubro, 2017 | Quarta a Sábado, das 15h às 19h
Artistas participantes: Albano Cardoso | Cristiano Mangovo | Ery Claver | Ihosvanny | Januário Jano | Kiluanji Kia Henda | Pedro Pires
Curadoria: Suzana Sousa e Paula Nascimento
ENTRADA LIVRE

A exposição Luuanda, título retirado da obra homónima de Luandino Vieira, pretende focar-se na experiência vivida da Luanda contemporânea, as suas personagens, ritmos, poesia, nostalgia e drama, seguindo a construção imaginária tão explorada na literatura de Luandino Vieira, Uanhenga Xito ou Ondjaki, entre outros, olhando para as suas dinâmicas actuais. Esta cidade pós-colonial é marcada também por fluxos migratórios e afectada por vários processos de mudança, pelo trânsito e as suas luzes e ruídos, pelos vendedores e vendedoras de rua que tudo têm disponível expondo aos seus clientes um importante espaço da economia informal do país. O que resulta numa circulação de corpos e vidas que parecem ter sido esquecidas pelo processo de crescimento do país.

Programa Paralelo 
21 de Setembro, Quinta-feira, 19h
Conversa Curadoras e Adriano Mixinge | Performance de Orlando Sérgio
27 de Setembro, Quarta-feira, 19h
Conversa com os artistas Pedro Pires e Cristiano Mangovo
11 de Outubro, Quarta-feira, 19h
Conversa com Paulo Moreira e Maria João Grilo (confirmar)

Mais informações: http://hangar.com.pt/luuanda

21.08.2017 | por martalanca | Albano Cardoso, angola, arte contemporânea, kiluanji kia henda, Luanda, Luuanda, Orlando Sérgio, Paulo Moreira, Suzana Sousa

Daqui pra frente – Arte contemporânea em Angola I RIO DE JANEIRO

A CAIXA Cultural Rio de Janeiro apresenta, de 21 de março a 14 de maio de 2017, a exposição Daqui pra frente – Arte contemporânea em Angola, que exibe obras da produção recente de três artistas: Délio Jasse, Mónica de Miranda e Yonamine. Com a curadoria de Michelle Sales, a mostra exibe uma série de fotografias, vídeos e instalações, fazendo um mapeamento da fronteira estética entre a Angola de hoje e as imagens submersas e muitas vezes escondidas de um passado colonial recente.

“A representação da fronteira, excessivamente recorrente no pensamento atual, discute as trocas culturais que ocorrem na situação de pós-independência que muitas das ex-colônias vivem hoje. Na maioria das vezes, tais territórios são encarados como esquecidos, vigiados e vazios”, comenta a curadora Michelle Sales.

É justamente essa perspectiva que o trabalho dos artistas busca problematizar e questionar sob diferentes óticas. As obras de Délio Jasse, por exemplo, consistem, num embate direto de referências que fazem alusão à crise de todo o modelo colonial e seus desdobramentos contemporâneos: guerra, exílio, perdas. Através do retrato de rostos escavados numa antiga feira de antiguidades de Lisboa, Délio nos coloca frente a frente com aquilo que mais as práticas coloniais se ocuparam de apagar: as identidades. 

Já Mónica de Miranda mostra os pedaços de uma memória coletiva que resiste no tempo. Angolana da diáspora, seu trabalho atravessa diversas fronteiras e esboça uma paisagem de identidades plurais inspiradas pela própria existência e vivência de uma artista itinerante. Sua poética autoral e autorreferencial, inerente a uma geração que cresceu longe de casa, já lhe rendeu diversos prêmios internacionais. 

E o trabalho de Yonamine remete para a arte urbana, usando referências que vêm do grafite, da serigrafia e da pintura, num embate violento com o acúmulo cultural do caótico cenário político-econômico de Angola. A alusão ao tempo presente é recorrente na utilização de jornais como suporte. São muitas camadas históricas que se somam, produzindo imagens profundamente perturbadoras e desestabilizadoras. O artista fala de um país cujo passado foi sistematicamente apagado, seja pela Guerra Civil, pela ocupação russa, cubana e agora chinesa e coreana.

 

Entrada Franca

Local: CAIXA Cultural Rio de Janeiro – Galeria 3

20.03.2017 | por martalanca | angola, arte contemporânea, fronteira

Inauguração da exposição KIN

Kin é uma exposição que reúne 6 artistas contemporâneas internacionais: ruby onyinyechi amanze, Phoebe Boswell, Virginia Chihota, Mary Evans, Lebohang Kganye e Senzeni Mthwakazi Marasela. Com inauguração a 30 de Abril, às 19h, a exposição irá decorrer até 9 de Julho. As obras apresentadas debruçam-se essencialmente sobre narrativas pessoais, tomando como ponto de partida uma noção geral de família - aquela em que nascemos, aquela que fazemos para nós - e a história de família, para articular noções de eu no âmbito de contextos interpessoais e enquadramentos históricos e sociais mais amplos. Pesquisando genealogias, desvelando narrativas familiares que atravessam gerações, considerando a herança partilhada com familiares ou a experiência do comum com os nossos pares, as obras em exibição sublinham o papel central que as nossas relações têm para a nossa própria educação. Ao falar em parentesco e na ligação aos outros, as artistas participantes questionam os amplos processos de relato e interpretação dos acontecimentos e negoceiam o intervalo entre o universo do pessoal, do íntimo, da experiência subjetiva, e as narrativas coletivas ou aparentemente oficiais. Nas ciências sociais, a perceção de que as vidas dos indivíduos comuns têm um valor significativo no entendimento dos processos históricos de mudança e das sociedades contemporâneas adquiriu importância recentemente. Artistas e investigadores têm dado uma importância central às narrativas pessoais por estas permitirem olhar os acontecimentos sob uma nova luz, de formas frequentemente ignoradas pelos enquadramentos tradicionais da análise histórica. As obras nesta exposição são de natureza profundamente pessoal e sugerem uma história diferente, sussurrando verdades íntimas para lá de generalizações e declarações arrebatadoras. Sem remorsos e com uma honestidade constrangedora, as artistas em KIN fazem uso do eu como o seu principal objeto de estudo, olhando em profundidade para as suas histórias e convidando o espetador a refletir sobre a sua própria história.

HANGAR Centro de Investigação Artística
Rua Damasceno Monteiro, 12 r/c
1170-112 Lisboa
Tel. +351 218 871 481
Horários: quarta-feira a sábado, 15h – 19h
Entrada livre

Para mais informações:

Imprensa - Andreia Páscoa | 967 209 639 | andreia.pascoa@hangar.com.pt

Programa Educativo - Ana de Almeida | 938 439 060 | ana.almeida@hangar.com.pt

Dropbox [download high res images]

www.hangar.com.pt

www.africacont.org

01.04.2016 | por claudiar | arte contemporânea, exposição

Exposição no Atelier‐Museu Júlio Pomar

Atelier-Museu Júlio Pomar inaugura, no dia 3 de Março, às 18h, a proposta curatorial que venceu a primeira edição do Prémio Atelier-Museu Júlio Pomar/ EGEAC 2015, « – já reparaste como o ponto de interrogação parece uma orelha, e como a interrogação se faz escuta? », com curadoria de Maria do Mar Fazenda.

O título da exposição toma de empréstimo uma pergunta que Júlio Pomar colocou a Helena Vaz da Silva, numa conversa realizada entre os dois, em 1979. Para Maria do Mar Fazenda, apesar da forma interrogativa, o título, mais do que uma resposta, procura um interlocutor.

Podendo as exposições surgir de uma interrogação, um dos pontos de partida para a curadora conceber esta proposta curatorial, especificamente desenhada para o Atelier-Museu Júlio Pomar, foi a pergunta: “O que acontece ao espaço se invertermos o seu nome?”

Um Atelier-Museu, na acepção mais usual, é um (antigo) atelier de artista transformado num museu - por norma, dedicado à sua obra. Num Museu-Atelier, trocando, agora, a ordem comum dos termos, é um museu que se torna atelier. Dito de outro modo, um espaço para pensar, fazer, questionar o próprio museu. A pergunta-título expressa, então, um “estado de espírito” para entrar neste museu-atelier, onde um conjunto de obras comentam, questionam e escutam a instituição museológica.

Com obras de:
Ana Pérez-Quiroga, Andrea Brandão, Ângelo Ferreira de Sousa, Catarina Botelho, Fernanda Fragateiro, João Pedro Cachopo, Jules Dupré, Lúcia Prancha e Sara Fernandes, Mafalda Santos, Mariana Silva, Miguel Loureiro, Pedro Nora, Ramiro Guerreiro, Rodrigo Oliveira, Sara & André.

E a participação de:
Ana Bigotte Vieira, Anísio Franco, António Guerreiro, Filipa Oliveira, Francisco Tropa, Joana Craveiro, João Mourão, João Paulo Serafim, João Ribas, Katherine Sirois, Luís Silva, Margarida Brito Alves, Maria do Carmo Sousa Lima, Nuno Crespo, Paulo Pires do Vale, Pedro Cabrita Reis, Penelope Curtis, Raquel Henriques da Silva, Ricardo Nicolau, Roberto Cremascoli, Tomás Maia, e outros…

Entrada Gratuita

Morada:

Rua do Vale N.º7

1200-472/Portugal

Terça a Domingo 10h//18h (Encerra Segunda)

01.03.2016 | por claudiar | arte contemporânea, exposição, Júlio Pomar, Maria do Mar Fazenda, Museu

"Arquipélago" de Mónica de Miranda​

INAUGURAÇÃO OPENING 26/11 2014 | 19:00 7pm

Participação de DJ LUCKY
INAUGURAÇÃO OPENING 26/11/14 20h - 22h

Seminário 

In(ter)sularidades - pensamento e criação artística
23/01/2015 - 17h - 20pm
Centro de Estudos Comparatistas / Faculdade de Letras de Lisboa

“Arquipélago”, é um projecto de criação e de investigação artística que reflecte a representação da paisagem como um teatro, ou seja, como um palco imaginado, recriada a partir do sentido ficcional que está por detrás da imagem de uma ilha e da ideia de jardim botânico.

As ilhas têm sido uma fonte de fascínio na nossa imaginação porque, por serem um território separado de outras terras por água, prestam-se facilmente à fantasia e à mitificação. O trabalho de Mónica de Miranda re-imagina conexões geográficas, como um arquipélago de lugares reinventados a partir de paisagens ficcionadas entre vários espaços geográficos. Os espaços insulares são imaginados para explorar e criar pontes entre o real e a ficção, como uma resposta às realidades culturais e sociais, muitas vezes tomando a forma de utopias / distopias, édens, nações, meta-textos, encruzilhadas culturais e espaços fora dos seus lugares comuns. O sentido do imaginário que está por detrás da ilha 
é susceptível a interpretações que se formam pela articulação de perspectivas sobre a relação de deslocamento entre o eu e o outro, o centro e a periferia, servindo como locais de mediação entre culturas que se distanciam do seu lugar de origem e se constroem noutros lugares. Mais

 

CARLOS CARVALHO ARTE CONTEMPORÂNEA
Rua Joly Braga Santos, Lote F R/C
1600 - 123 Lisboa Portugal
Tel.+(351) 217 261 831 | Fax+(351) 217 210 874
carloscarvalho-ac@carloscarvalho-ac.com
www.carloscarvalho-ac.com

13.11.2014 | por martalanca | Arquipélago, arte contemporânea, Monica de Miranda

Panoramas do Sul - LAST CALL!

Aberto a todos os suportes e linguagens artísticas, o 19º Festival concederá aporte financeiro de até R$ 120 mil para desenvolvimento de projetos. As obras selecionadas concorrem a R$ 75 mil em dinheiro e a nove residências artísticas em instituições ao redor do mundo

Até 16 de novembro de 2014, a Associação Cultural Videobrasil recebe inscrições para dois editais do 19ª Festival de Arte Contemporânea Sesc_Videobrasil || Panoramas do Sul: de obras e de projetos para produção de obra de arte. Esta é a primeira vez que o Festival vai selecionar quatro projetos, que receberão aporte financeiro de até R$ 30 mil cada e acompanhamento de membros da Comissão Curadora até sua apresentação no Festival. Os artistas do Sul global, região que é foco do Festival, podem inscrever até três (03) obras e um (01) projeto, em todos os suportes e linguagens artísticas contemporâneas (a exemplo de fotografia, pintura, escultura, gravura, desenho, arte sonora, vídeo, performance, instalação, entre outros). As obras selecionadas concorrem a um Grande Prêmio no valor de R$ 75 mil e a nove Prêmios de Residência Artística em instituições parceiras da Associação. A 19ª edição do Festival acontece de 06 de outubro a 06 de dezembro de 2015, no Sesc Pompeia (São Paulo).

 

Festival de Arte Contemporânea Sesc_Videobrasil || Panoramas do Sul se consolidou como plataforma voltada à difusão, ao fomento e à reflexão em torno da produção artística do Sul global, composto por países que precisam buscar novas formas de circulação e visibilidade no circuito artístico mundial (confira a lista de países contemplados). Com periodicidade bianual, o Festival promove exposições, mostra de filmes, performances, residências artísticas, encontros e atividades de programas públicos, ações educativas e lançamento de publicações, reunindo artistas, curadores, pesquisadores, críticos, jornalistas e representantes de instituições de arte e cultura contemporânea em torno da reflexão da produção artística do Sul. O Festival promove ainda a difusão dos trabalhos selecionados em plataformas digitais de pesquisa, livros, sites, redes sociais do Videobrasil, além de documentários e programas de TV produzidos pela organização.

 

A 19º edição transforma o Sul e suas múltiplas questões no grande direcionador de seus eixos curatoriais e da sua programação, e não mais apenas de sua mostra competitiva. Essas questões – que, de alguma forma, são as inspirações e parâmetros para a seleção de obras e projetos que participam do Festival – dizem respeito a diásporas, identidades híbridas, trânsito migratório e viagens, narrativas pessoais, memórias, isolamento, tecido social e insularidade. Reforçando esta proposta, ao lado das obras e projetos selecionados via convocatória, também farão parte do 19º Festival trabalhos de artistas convidados, com trajetórias que, apesar de referenciais no contexto do Sul, são ainda pouco conhecidas no cenário global. A triangulação entre África, Caribe e América do Sul está no cerne de suas reflexões.

 

Leia atentamente os editais e inscreva suas obras e projetos no 19º Festival de Arte Contemporânea Sesc_Videobrasil.

12.11.2014 | por martalanca | arte contemporânea, Global South, Panoramas do Sul, Videobrasil

Diálogo Espacial de Angel Ihosvanny, LISBOA

exposição Diálogo Espacial de Angel Ihosvanny

Inauguração dia 30 Out às 19h00

patente até 15 Nov, na Galeria ArtInzo

Rua Marquês de Subserra N10 C Lisboa

30.10.2014 | por franciscabagulho | arte contemporânea

Nástio Mosquito nomeado para o Future Generation Art Prize

O Future Generation Art Prize, estabelecido pela Fundação Victor Pinchuk desde 2009, é um premio internacional de arte contemporânea destinado a artistas até aos 35 anos.

Entre mais de 5500 concorrentes, Nástio Mosquito (artista angolano) foi um dos 20 noemados. A exposição dos finalistas será em Outubro no PinchukArtCentre e o prémio (no valor total de 100.000USD) será atribuído em Dezembro.

Parabéns Nástio!!!

24.06.2014 | por franciscabagulho | arte contemporânea

Beyond Entropy _ Ilha de São Jorge, VENEZA

14ª Edition of the Biennial of Architecture _ Island of San Giorgio Maggiore, Venice

Piccolo Teatro Hall, Fondazione Giorgio Cini

Artists: Filipa César, Suleimane Biai,  René Tavares,  Kwame Sousa,  Kiluanji Kia Henda, Monica de Miranda, Irineu Destourelles, Tiago Correia Paulo, Filipe Branquinho and Rui Tenreiro

Curators:  Beyond Entropy Africa _ Paula Nascimento and Stefano Rabolli Pansera 

Special Events:  5 Jun, 10am - 12noon | Press Preview. 5 Jun, 12noon - 7pm | Vernissage

For the entire duration of the exhibition, from the 6th of June to the 6th of July, 2014 the Island of San Giorgio Maggiore will virtually become “Ilha de São Jorge”, an extra-territorial island featuring the five Portuguese speaking African Republics: Angola, Cape Verde, Guinea-Bissau, Mozambique and São Tomé and Príncipe.

The proposal extends the research started with “Beyond Entropy Angola” (2012) and“Luanda, Encyclopedic City” (2013) while enriching the specific theme of the 2014 Architecture Biennale: “Absorbing Modernity: 1914-2014”.

Beyond Entropy engages with the way modernity was conceived, developed, built, dwelled, absorbed, rejected in these countries and produces a model of urban conditions that may set new perspectives on urban development and architectural discourse in these regions.
The legacy of Portuguese empire building pervades the Postcolonial discourse that attempts to explain the development of the modern nation state in Portuguese speaking Africa. It is with this historical and linguistic connection in mind that Ilha de São Jorge is thematically and structurally created. Although geographically distant, these countries share a heritage with each other and with Portugal the cities and urban forms are a result of methods, techniques and procedures that can be linked with a common historical past tied to a Portuguese matrix yet deeply related to specifics of geography, culture and traditions. This shared Postcolonial heritage makes it relevant to develop a coherent discourse on the similar ways these countries have declined or absorbed modernist architecture. Placing the architectural discourse together for the first time, not only highlights their connections with Portugal, but more importantly, it highlights the internal connections, always invisible, that contributed to the development of a modernist discourse.

With “Uma Cabana”, Filipa César and Suleimane Biai explore the concept of shelter in Guinea - Bissau as a historical, political and cultural fulcrum of society. The film “Concrete Affection” by Kiluanji Kia Henda is inspired by the book by Polish writer Ryszard Kapuściński “Another Day of Life”, 1975. Kia Henda investigates the emptiness of the city after the departure of the Portuguese, bringing into limelight the unique architecture of Luanda. The video by Monica de Miranda entitled “Hotel Globo” tells the story of the Angolan diaspora while focusing on a Modernist hotel in the centre of Luanda. With “Mionga House”, artists René Tavares and Kwame Sousa explore the characteristics of the community of the southern island of São Tomé. Irineu Destourelles’s project seeks to develop the relationship between the constantly evolving socio-cultural matrix, the built heritage and organization of the contemporary urban fabric in the city of Mindelo, Cape Verde. The films composing “Journey to The Centre of Capricorn” by Tiago Correira-Paulo, Filipe Branquinho and Rui Tenreiro propose a surreal reading of contemporary architecture in the city of Maputo, Mozambique.

The publication, edited by Ana Vaz Milheiro and Stefano Serventi, follows the same thematic thread of the exhibition. Divided in five sections (Objects, Buildings, Cities, Landscape and Visions), the publication includes creative texts, images and academic studies by architects, researchers and artists that accompany the exhibition and enrich its curatorial mission.

28.05.2014 | por franciscabagulho | arquitectura, arte contemporânea

Indépendance Cha Cha, Ângela Ferreira, LISBOA

No espaço Lumiar Cité, 15.04 - 01.06.2014

Inauguração Conferência “Divining the City: Urban Planning and Everyday Life in Central Africa” por Filip De Boeck Conversa com Ângela Ferreira, Jürgen Bock e Elvira Dyangani Ose

Ângela Ferreira apresenta uma nova obra, inspirada pela sua participação na Bienal de Lubumbashi 2013 (República Democrática do Congo), constituída por uma escultura que evoca a arquitetura colonial dos anos 50 presente no centro urbano de Lubumbashi, capital de Katanga, província rica em minerais do então denominado Congo Belga. A escultura é articulada com as condições arquitectónicas do local de apresentação – neste caso, na sua primeira apresentação, o espaço Lumiar Cité – e serve ainda como ecrã para dois vídeos. Um dos vídeos documenta a performance organizada pela artista para a Bienal de Lubumbashi, na qual dois cantores apresentam o poema/canção “Je vais entrer dans la mine”, cantado na antiga língua predominante na região, o Kibemba. A letra fala de um homem que escreve à mãe sobre os seus medos em relação à morte, por ter sido forçado a descer às minas. No segundo vídeo, que dá o título à obra, a banda do Park Hotel de Lubumbashi interpreta “Indépendance Cha Cha”, hino emblemático dos movimentos de independência dos países francófonos, nos anos 60, escrito pelo músico congolês Joseph Kabasele, em Bruxelas, na noite em que foi alcançado um acordo, entre o governo belga e a comitiva congolesa, quanto à data de independência do país africano.

Ângela Ferreira (Moçambique, 1958) vive e trabalha em Lisboa. Entre as suas exposições individuais destacam-se: “Political Cameras”, Stills (Edimburgo, 2013); “Ângela Ferreira– Stone Free”, Marlborough Contemporary (Londres, 2012); “Carlos Cardoso–Straight to the Point”, Galeria Filomena Soares (2011); “Werdmuller Centre and Other Works”, Stevenson (Cidade do Cabo, 2010); “Hard Rain Show”, Museu Coleção Berardo (2008) e La Criée (Rennes, 2008); “Maison Tropicale”, Pavilhão Português da 52a Bienal de Veneza (2007); e “Em Sítio Algum”, Museu do Chiado (2003). Das suas exposições coletivas recentes destacam-se: 3a Bienal de Lubumbashi (2013); “Between Walls and Windows”, Haus der Kulturen der Welt (Berlim, 2012); “Appropriated Landscapes”, The Walther Collection (Neu- Ulm, 2011); “Monument und Utopia II”, Steirischer Herbst Festival (Graz, 2010); “Modernologies”, Museum of Modern Art in Warsaw (Varsóvia, 2010) e MACBA (Barcelona, 2009).

Este projeto resulta de uma parceria com a Fundação EDP e em colaboração com o Africa.Cont. Um agradecimento também à Culturgest pelo amável apoio à produção da exposição.

Lumiar Cité é um espaço da Maumaus.

Tel.+351217551570/ 213521155 lumiarcite@mail.telepac.pt | www.maumaus.org

15.04.2014 | por franciscabagulho | arte contemporânea

Re-Move, exposição de Sofia Pidwell e Yonamine, LISBOA

CURADORIA Natxo Checa

Fundação Arpad Szenes Vieira da Silva, de 25 Fevereiro a 27 de Abril. 

Não existindo um caminho lógico para a descoberta das leis do Universo, encontram-se Sofia e Yonamine para estabelecer uma realidade evidente, fruto da sua colaboração. Uma expressão
entendida como fluxo natural, radicada em processos intuitivos e actos espontâneos. É dos seus actos indispensáveis, que se trata este exercício, esta exposição na FASVS.
Como em todas as colaborações, a questão primordial consistiu no modo como duas entidades tão diferenciadas se podem relacionar sem que uma anule a outra. Neste caso, o método criativo de um dos autores, Yonamine, pela sua abordagem espacial disseminadora e cumulativa, revelou-se, naturalmente, como a plataforma de entendimento comum, e o exercício essencial residiu na aceitação do outro (na qualidade do que é diferente), para além desta constatação.
Numa recente exposição, Sofia Pidwell apresentava uma série de desenhos abstractos de formas orgânicas, onde se destacavam imagens fractais, pormenorizadas, que a natureza por vezes nos oferece. Se tentássemos estabelecer uma classificação taxonómica, atendendo ao carácter fractal dos desenhos, eles fariam parte do grupo estocástico: apesar de possuírem um
padrão, os pormenores não se replicam, são indeterminados e têm a sua origem num evento aleatório. São fruto do acaso, da espontaneidade e da intuição.
O trabalho de Yonamine pouco ou nada tem de abstracto. Porém, o seu manancial criativo radica na intuição, enquanto faculdade primordial. Partindo de uma leitura do mundo pós-
-capitalista, Yonamine construiu um arquivo pessoal aleatório de imagens e símbolos da cultura mass media globalizada.
A sua composição, como um mural cheio de história(s), revela, ao acaso, acontecimentos desportivos, logótipos, imagens – ora de sexo explícito, ora de personagens políticos, ora de
estereótipos culturais – junto a palavras de ordem, e outras, subvertendo leituras e sentidos que se manifestam e reorganizam para uma reflexão irónica numa prática artística contemporânea, descentrada dos cânones da cultura dominante.
Em RE-MOVE temos um cadáver esquisito escrito por desenho, pintura, colagem, imagens icónicas e populares, e matéria pictórica. A linguagem manifesta-se como afirmação gráfica
em sobreposições intervencionadas, corrigidas, acrescentadas, sobrepostas, num tira e retira, mostrando os frutos da complementaridade ou dos excessos dos universos criativos dos autores. Um lugar que a razão percebe mas não determina.
Natxo Checa, Fevereiro 2014.

19.02.2014 | por franciscabagulho | arte contemporânea

Icarus13, de Kiluanji Kia Henda, INSERT2014, Deli

Mais uma viagem de Icarus 13, do artista angolano Kiluanji Kia Henda, agora na exposição INSERT1014, de 31 de Janeiro a 28 de Fevereiro, Indira Gandhi National Centre for the Arts, em Nova Deli.

Icarus 13, 2007. The launch of Icarus 13, by Kiluanji Kia Henda.Icarus 13, 2007. The launch of Icarus 13, by Kiluanji Kia Henda.

Icarus 13 (2007) é uma instalação que documenta a expedição de “Icarus 13”, a primeira nave espacial africana a chegar ao Sol. Kiluanji serve-se da ficção e da ironia para abordar noções de utopia e falhanço, expansão colonial, modernidade, eurocentrismo e estereótipos africanos.

INSERT1014, The Sharp Edge of the Global Contemporary com trabalhos de: Basel Abbas + Ruanne Abou-Rahme | Clark House Initiative | Eyal Weizman + Paulo Tavares | Gauri Gill | Harun Farocki | Hito Steyerl | Ivana Franke | Katarzyna Kozyra | Kendell Geers | Kiluanji Kia Henda | Lu Xing-Hua | Mai-Thu Perret | Rirkrit Tiravanija | Superflex | Tomàs Saraceno | Wanuri Kahiu | Yao Jui-Chung | Nikolaus Hirsch + Michel Müller

09.01.2014 | por franciscabagulho | arte contemporânea

Verão Eterno, de André Trindade e Filipa Cordeiro, Maumaus / Lumiar Cite, Lisboa

19.09|19h00, estreia mundial do filme Verão Eterno de André Trindade e Filipa Cordeiro  (20h15, conversa com os artistas)

23.09|18h00, conferência Migração, a Cidade como Constelação e a Eminência das Pequenas Escalas por Tobi Maier

10.10|18h00, visita guiada por Bruno Leitão

André Trindade e Filipa Cordeiro, Verão Eterno, 2013, still de vídeoAndré Trindade e Filipa Cordeiro, Verão Eterno, 2013, still de vídeo

Verão Eterno é um projeto de Trindade e Cordeiro realizado ao longo de uma estadia de seis meses em Santa Cruz da Cabrália, uma pequena cidade brasileira localizada perto de Porto Seguro, no estado da Bahia. A exposição no espaço Lumiar Cité consiste numa instalação vídeo, numa escultura e numa cassete com a banda sonora desse mesmo vídeo.

O vídeo narra uma história inspirada pela recente migração europeia para o Brasil, ao mesmo tempo que referencia a ideia de viagem para o paraíso. É acerca do escapismo e da vida no limite do capitalismo. É um conto de ficção científica lo-fi sobre a vida e a procura da felicidade, entre o exílio e a utopia.

MAUMAUS Lumiar Cité, Rua Tomás del Negro, 8A, 1750-105 Lisbon, Portugal

18.09.2013 | por franciscabagulho | arte contemporânea, Brasil, cidade, migração

Sala da Nação – Embaixada de Terra Nenhuma, LISBOA

Sala da Nação – Embaixada de Terra Nenhuma é um projecto de Paulo Moreira e Kiluanji Kia Henda integrado na exposição A Realidade e Outras Ficções, com curadoria de Mariana Pestana, para a terceira edição da Trienal de Arquitectura de Lisboa.

No atual cenário de descrédito relativamente aos modelos políticos existentes, esta é a embaixada de uma nação imaginária que não representa qualquer tempo ou espaço em particular. Semanalmente, associações e grupos que desenvolvem trabalho nas áreas do ativismo político, cidadania e inclusão social, são embaixadores em sequência, realizando receções, perfomances, mesas redondas e outros eventos abertos ao público. 

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The Nation Room – Embassy of No Land is a project by Paulo Moreira and Kiluanji Kia Henda, part of the exhibition The Real and Other Fictions, curated by Mariana Pestana, for Closer, Closer, 2013 Lisbon Architecture Triennale. Against the current backdrop of general misgivings about about the existing political models, this is the embassy of an imaginary nation that does not represent any particular time or place. Every week, associations, organizations and groups working in the areas of activism, citizenship and social inclusion are ambassadors on a rota. As ambassadors, they host receptions, performances, roundtables and other events, all open to the public. 

Inaugura Sábado dia 14 Setembro. 

Carpe Diem Arte e Pesquisa (R. de O Século, 79, Bairro Alto, Lisboa)

09.09.2013 | por franciscabagulho | arquitectura, arte contemporânea, kiluanji kia henda, Paulo Moreira

Nova Galeria Buala de Andrew Esiebo

who are we de Andrew Esiebo

 O trabalho de Esiebo articula uma abordagem documental – com tópicos que vão desde a sexualidade a questões de género, da urbanização à migração, etc. – e introduz elementos estéticos que nos levam a uma leitura mais poética e ficcional destes mesmos tópicos. 

“Este trabalho trata de explorar a minha própria percepção da homossexualidade masculina. Para isso, era necessário desconstruir abordagens estereotipadas da heteronormatividade e tentar aportar um outro olhar. Queria desfocar a atenção das práticas sexuais homossexuais (nas quais se está demasiado centrado) e refletir mais em temas como o amor, os desejos, as aspirações, a compaixão ou a fé. Para isso considerei necessário introduzir-me nos espaços íntimos dos retratados e procurar os objetos que rodeiam as suas vidas quotidianas. Estes cenários permitiram-me refletir sobre as suas identidades, e sobre a relação destes com o espaço quotidiano mais privado.”

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12.07.2013 | por franciscabagulho | arte contemporânea