“Sarar é sobre um lugar de vulnerabilidade onde todos nos podemos encontrar um dia. O corpo produz uma doença e a doença produz um novo corpo. A cura também produz um corpo. De corpo em corpo, não se para para estar doente, o mundo continua a girar. Como se organiza a vida quando a doença nos entra pela porta da frente?”
Sarar is about a place of vulnerability where we may all find ourselves one day. The body produces a disease and the disease produces a new body. Healing also produces a body. From body to body, the world keeps turning. How does one organise life when illness walks through our front door?
Sinopse Sarar é uma conferência performance sobre a experiência radical do corpo na doença e na cura. Trata o processo em que este se confronta com uma nova realidade, altera o seu modo de estar, se ajusta ao novo ser, reaprende e é reaprendido. Sarar é íntimo e público, privado e coletivo, fala do trauma e do inesperado. Em Sarar, o texto convoca gesto, imagem, som e luz para explorar os novos estados e tempos do corpo, os discursos sobre a pessoa doente e descobrir invisibilidades.
Sarar is a lecture performance reporting the radical experience of the body in disease and in cure. Healing is intimate and public, private and collective, tells about trauma and the unexpected. In Sarar, the text invites gesture, video, sound and light to explore the new states and rhythms of the body and unveil the invisible.
Datas:
Devir Capa (Faro) — 22+23 outubro
TBA (Lisboa) — 30 outubro
Biografia Sara Goulart nasceu em Tavira, em 1977. Estudou Literatura, Estudos sobre mulheres, Guionismo para cinema. É produtora, mediadora cultural, ativista e escritora. Foi curadora das exposições Viveiro, de Júlia Barata e Tochas, de Vasco Célio. Fez a produção dos percursos performativos Partituras para ir e A cada passo uma constelação, de Joana Braga, integrados no programa Matéria para escavação futura. Sarar é a sua primeira criação artística, para a qual convida Ana Rita Teodoro, Fernando Ramalho, Luísa Homem e Zé Rui.
Sara Goulart was born in Tavira in 1977. She studied literature, women’s studies and screenwriting. She is a producer, cultural mediator, activist and writer. She was the curator of the exhibitions Viveiro, by Júlia Barata and Tochas, by Vasco Célio. She produced the performances Partituras para ir and A cada passo uma constelação, by Joana Braga, part of the programme Matéria para escavação futura. Sarar is her first artistic creation, for which she invites Ana Rita Teodoro, Fernando Ramalho, Luísa Homem and Zé Rui.
Dados sobre a peça
Título: Sarar
De: Sara Goulart
Com: Ana Rita Teodoro, Fernando Ramalho, Luísa Homem e Zé Rui
Fella Ayala apresenta Boda de Kambas na Casa Independente Em formato vinil explora ritmos afro, brasil, funk e world. 9 Out * 23h-02h entrada livre * free entrance
Seminário aberto PACAP 5 com Dénètem Touam Bona e Emma Bigé
Forum Dança | Espaço da Penha
8 de Outubro | 14h-16h
[Seminário em francês e inglês]
Este seminário faz parte da programação do PACAP 5
SÓ POR RESERVA! A participação é gratuita mas porque a lotação é limitada a 15 participantes no máximo só é possível participar fazendo reserva prévia. Para reservar basta enviar o seu pedido para o nosso email.
“Nesses tempos sombrios em que proliferam os dispositivos de controle, as resistências devem ser furtivas, mais do que frontais. Atacar em terreno aberto é se oferecer como carne de canhão aos múltiplos poderes que tendem a nos sujeitar, expor-se a ser capturado, desacreditado, criminalizado. Trata- se então de resistir em modo menor, pois colocar-se como maior, maduro, responsável, significa obrigatoriamente ter de se render quando a polícia, os serviços secretos, as agências de segurança nos convocam para prestar contas de nossas vidas furtivas.
A marronagem, portanto, é menos uma forma de conquista do que de subtração ao poder. As táticas furtivas são táticas de des-captura: a qualquer tentativa de captura, opõem o vazio. É essa potência corrosiva da marronagem diante dos aparelhos de captura e dos simulacros produzidos que chamo de fuga.” — Cosmopoética do Refúgio, Cultura e Barbárie, 2020.
Dénètem Touam Bona é um filósofo e escritor, colaborador do Instituto Tout-Monde (centro dedicado à obra de Edouard Glissant). Autor de “Fugitif où cours-tu?” (Puf, 2014), “Cosmopoética do Refúgio (Cultura e Barbárie, 2020) e “La sagesse des lianes” (post éditions, 2021), livros que procuram investigar e celebrar as artes fugitivas da marronagem e as promessas metafísicas de uma filosofia centrada na espessura da folhagem e o entrelaçamento de lianas. Dénètem Touam Bona teve muitas experiências: oficinas de formação e redação na prisão, documentalista numa rede internacional de solidariedade, professor de literatura e filosofia na Guiana e Mayotte, etc.
Participation is free but because the capacity is limited to a maximum of 15 participants, it is only possible to participate by booking in advance. To book, just send your request to our email.
In these troubled times where control devices proliferate, resistance must be in stealth rather than frontal. To attack in open terrain is to offer oneself as cannon fodder to the multiple powers that tend to subject us, to expose oneself to be captured, discredited, criminalized. What we need, then, might be a kind of resistance in the minor, because to posit oneself as a major, mature, and responsible person, means necessarily having to surrender when the police, the secret services, and the security agencies summon us to account for our fugitive lives.
Marronage, therefore, is less a form of conquest than of subtraction from power. Tactics of the furtive are tactics of de-capture: to those who seek to capture their substances, they oppose emptiness. It is this corrosive potency of marronage in the face of the apparatuses of capture and the simulacra produced that I call fugue. — Cosmopoética do Refúgio, Cultura e Barbárie, 2020.
Dénètem Touam Bona is a philosopher and writer, a collaborator to the Tout-Monde Institute (a center dedicated to the work of Edouard Glissant). He is the author of Fugitif où cours-tu ? (Puf, 2014), Cosmopoética do Refugio (Cultura e Barbarie, 2020) and La sagesse des lianes (post éditions, 2021), books that seek to investigate and celebrate the fugitive arts of marronage and the metaphysical promises of a philosophy centered around the thickness of foliage and the intertwining of lianas. Dénètem Touam Bona has had many experiences: training and writing workshops in prison, documentalist in an international solidarity network, literature and philosophy teacher in Guyana and Mayotte, etc.
Horários: 7 e 8 Outubro das 18h-21h (Lisboa) e 9 de Outubro das 10h30 às 13h30 (Lisboa)
Preço: 75€ um módulo, 100€ dois módulos (O presente curso é composto por dois módulos, caso se inscreva em ambos os módulos o valor monetário será de 100€) Máximo de 20 participantes (Online)
O Estado Novo usou o cinema para impor, interna e externamente, a imagem de um país pluricontinental e multirracial. Muitas ideias propagadas nunca foram questionadas após o restabelecimento da democracia e após as independências dos países de língua portuguesa. Este curso livre discutirá como é que a propaganda – e a censura - do Estado Novo determinou as representações relativas aos países de língua portuguesa, incluindo os casos da “Ásia Portuguesa”. Debaterá ainda as evidências da (im)possibilidade de um outro olhar sobre as ex-colónias portuguesas em obras de autor do Cinema Novo que foram censuradas e proibidas e abordará os usos do cinema pelos diferentes movimentos políticos, durante as lutas de libertação em África.
Horários:30 Outubro das 10h30-13h30/14h30-17h30 (Lisboa) e 6 de Novembro das 10h30 às 13h30 (Lisboa)
Preço: 75€ um módulo Máximo de 12 participantes (Presencial)
Na sequência do curso livre “Re-imaginar o império. Projecções (anti-)coloniais no cinema” I, este segundo curso livre aprofundará os usos do cinema pelos diferentes movimentos políticos, durante as lutas de libertação africana e particularizará os casos de Goa, Macau e Timor. Analisará ainda a emergência de projectos de cinema nacional em Moçambique, Angola e Guiné-Bissau e aprofundará os contributos de alguns autores. Fará uma panorâmica sobre as cinematografias actuais nos países africanos de língua portuguesa particularizando também os casos orientais. Mais informações sobre o curso em https://hangar.com.pt/workshop-reimaginar-o-imperio-projeccoes-anti-coloniais-no-cinema/
“Kubanga Kukatula” significa “montar e desmontar” em kimbundu, referindo-se à condição de transitoriedade do percurso de vida dos artistas Lino Damião e Nelo Teixeira, ambos ex-moradores do bairro da Chicala, em Luanda.
Seguindo um processo de exploração do arquivo “Observatório da Chicala” e períodos de residência entre Lisboa e Porto, a exposição apresenta um corpo de trabalho sobre a identidade e memória dos artistas.
A exposição é a segunda apresentação pública de um projeto de criação artística e pesquisa, centrado em residências, produção de obras e exposições.
Fracture Empireé a primeira exposição do artista visual Samson Kambalu em Portugal e, ao mesmo tempo, a apresentação mais completa da sua obra até à data. O recém-vencedor do Quarto Plinto (Trafalgar Square, Londres), um dos prémios de arte pública mais famosos do mundo, estará na Culturgest, já a partir de 2 de outubro.
A inauguração terá lugar no dia 1 de outubro, das 22:00 à meia-noite, com entrada gratuita. No âmbito da exposição, o artista fará uma visita guiada, juntamente com o curador da exposição, Bruno Marchand (2 OUT 16:00), dará uma conferência sobre Cinema Nyau e a sua produção fílmica (17 NOV 18:30) e realiza-se ainda uma conferência centrada nas questões que a obra de Kambalu nos levantam (24 NOV 18:30).
INAUGURAÇÃO 1 OUT 2021SEX 22:00 - 24:00
EXPOSIÇÃO 2 OUT 2021 - 6 FEV 2022TER A SEX 12:00 – 19:00 FIM DE SEMANA 11:00 – 18:00
Apelidado de provocador, o artista visual do Malawi, Samson Kambalu, é um nome reconhecido internacionalmente e “um dos mais singulares tradutores da cultura sincrética africana para os olhos e para a razão ocidentais. É também um intérprete e um crítico da história conturbada destes dois blocos”, como refere Bruno Marchand, curador desta exposição, que marca a estreia de Kambalu em Portugal, ao mesmo tempo que é a apresentação mais completa da sua obra até à data, a nível internacional.
A escultura Antelope, de Samson Kambalu, projeto vencedor para estar em exibição no famoso pedestal da Trafalgar Square, em 2022, é uma reconstituição de uma imagem da era colonial. Retrata uma fotografia de 1914 do padre da Igreja Baptista, John Chilembwe, e do missionário europeu John Chorley.
Samson Kambalu refere que a fotografia original, na qual se baseou para fazer a escultura, o inspirou pela “aparência comum” que tem à primeira vista, “mas quando pesquisamos a fotografia, descobrimos que, na verdade, há ali subversão, porque naquela época, em 1914, era proibido que os africanos usassem chapéus perante os brancos”.
Em Antelope, Chilembwe tem uma escala enorme, enquanto Chorley permanece em tamanho natural. Ao aumentar a escala de Chilembwe, Samson eleva a sua história, revelando as narrativas ocultas dos sub-representados na história do Império Britânico em África e não só. Sobre o Quarto Plinto, Samson refere que a sua proposta seria “sempre um teste do quanto pertenço à sociedade britânica como africano e cosmopolita, e isso enche-me de alegria e entusiasmo, e quis propor algo significativo para mim, como um africano”.
O trabalho de Kambalu abrange várias vertentes, do desenho à pintura passando pela instalação e pelo vídeo. O humor, o excesso e a transgressão são constantes na obra deste artista que mistura bandeiras de vários países e obriga-nos a testar os limites pré-concebidos sobre história, arte, identidade, religião e liberdade individual.
No dia seguinte à inauguração da sua exposição na Culturgest, o artista e o curador Bruno Marchand, receberão o público para uma visita e uma conversa sobre as obras selecionadas e sobre as suas articulações no espaço. Questões como a noção de máscara e o papel que a indumentária representou em momentos-chave das lutas coloniais do último século, a ideia de oferenda e a sua importância na economia simbólica de várias sociedades africanas, ou a questão da autoria e da distribuição da arte no quadro de fenómenos como o situacionismo terão certamente lugar ao longo da conversa. Uma oportunidade para ouvir, na primeira pessoa, o desvelar de um particular universo intelectual e criativo.
Reconhecido internacionalmente, o seu trabalho foi já exibido em todo o mundo, incluindo o Festival Internacional de Arte de Tóquio em 2009, a Bienal de Liverpool em 2004 e 2016, a Bienal de Dakar em 2014 e 2016 e a Bienal de Veneza em 2015, Art Basel e Frieze. Nascido no Malawi, em 1975, uma década após a sua independência do Império Britânico, Kambalu estudou na Universidade de Malawi (BA Fine Art and Ethnomusicology, 1995-99); Nottingham Trent University (MA Fine Art, 2002-03) e Chelsea College of Art and Design (PhD, 2011-15) e ganhou bolsas de pesquisa na Yale University e Smithsonian Institution. É professor associado de Belas Artes no Ruskin College e membro do Magdalen College, Oxford University.
Em 2015, a par da sua participação na Bienal de Veneza, foi processado pelo trabalho que mostrou sobre o situacionista italiano, Gianfranco Sanguinetti, que um ano antes tinha vendido o seu arquivo à Biblioteca Beinecke, da Universidade de Yale. Os críticos consideraram esta uma atitude contrária ao espírito situacionista de propriedade pública e doação de presentes. Assim, Kambalu fotografou todo o arquivo e expôs na Bienal de Veneza, com o objetivo de o devolver ao domínio público. A Sanguinetti processou Kambalu e a Bienal exigindo o encerramento da instalação, a destruição do catálogo da Bienal e uma taxa de 20.000 euros por cada dia de atraso. Sanguinetti não ganhou o caso.
CONFERÊNCIA SOCIEDADE SECRETA: CINEMA NYAU E A PROBLEMÁTICA DA OFERENDA COM SAMSON KAMBALU 17 NOV 2021 - QUA 18:30 PEQUENO AUDITÓRIO DA CULTURGEST Na sequência da abertura da sua exposição nas galerias da Culturgest, Samson Kambalu dará uma conferência no Pequeno Auditório, no dia 17 de novembro, às 18:30 (entrada gratuita sob levantamento prévio de bilhete) acerca da sua produção fílmica em relação ao uso de máscaras nos rituais da irmandade Nyau, uma sociedade secreta do Malawi onde a prática do dom é uma questão central. Olhando para o sincretismo da cultura deste país africano, que Kambalu estende para movimentos filosóficos e artísticos de origem europeia, como o Dadaísmo, o Surrealismo e o Situacionismo, serão cruzados os trajetos de projecionistas de cinema ambulante na época colonial com as histórias de políticas emancipatórias, referindo algumas figuras radicais do pan-africanismo como John Chilembwe (Malawi) e Clement Kadalie (África do Sul).
CONFERÊNCIA SITUACIONISMOS, CINEMAS E OUTRAS HISTÓRIAS COM CATARINA LARANJEIRO, RAQUEL SCHEFER E RICARDO NORONHA 24 NOV 2021 - QUA 18:30 PEQUENO AUDITÓRIO DA CULTURGEST Os filmes e instalações de Samson Kambalu impelem-nos a olhar de forma cruzada para o pensamento, a produção de imagens e a história concebidas nos territórios africanos e europeus. Tendo como ponto de partida a exposição deste artista, três investigadores do Instituto de História Contemporânea (NOVA FCSH), juntam-se em conferência para refletirem e debaterem as questões que a sua obra nos coloca. Estarão presentes Ricardo Noronha, investigador na área da história social e económica, com uma pesquisa que passa também pelo Situacionismo, um movimento de referência para Kambalu; Raquel Shefer, realizadora e programadora, professora na Universidade Sorbonne Nouvelle – Paris 3, com investigação na área do cinema africano e da afrodiáspora e Catarina Laranjeiro, que terá também a cargo a moderação deste encontro.
FRACTURE TOWN, DE SAMSON KAMBALU, POR BRUNO MARCHAND
Samson Kambalu nasceu no Maláui, em 1975, numa família de oito irmãos. Uma das mais importantes posses da família durante a sua infância era um armário de livros ao qual chamavam “o díptico.” O díptico albergava uma seleção heterogénea de livros que, no seu conjunto, mapeavam uma parte nada desprezível do conhecimento e do pensamento universal – uma espécie de enciclopédia portátil de fontes primárias. Kambalu mergulhou naquela biblioteca não só como quem tem uma curiosidade inesgotável e uma apetência clara pelo pensamento abstrato, mas também como quem sabia que o mundo era muito maior do que o Maláui, mas que não tinha outros meios para o explorar.
No díptico, o jovem Kambalu encontrou mitos e religiões, ciência e filosofia, antropologia e ocultismo. Assombrou-se por Nietzsche e procurou respostas para as grandes questões da vida. Fundou uma religião – o Holyballism –, encontrou para ela o mantra perfeito – exercise and exorcise – e decidiu ser artista visual, mas apenas após perceber que ser artista marcial ou estrela Pop não estava ao seu alcance. Não que não tenha tentado: emulou, com sucesso, os movimentos de Bruce Lee e de Michael Jackson que via, escondido, em sessões de cinema ao ar livre. Foi aí que se deixou contaminar, também, por uma dada estética cinematográfica, feita de filmes projetados em condições rudimentares e fortemente editados para deixar apenas os momentos de ação. Foi aluno na Kamuzu Academy, a escola secundária de elite com que o “Life President”, Hastings K. Banda, quis imitar Eton em Chimphepo, e, aquando do regresso apoteótico do aluno brilhante à terra onde crescera, submeteu-se ao Gule Wamkulu, um ritual de passagem das tribos Chewa, governado pelas ideias de excesso, oferenda, máscara e jogo.
Fez um curso superior de artes visuais e etnomusicologia e abriu um ateliê onde recebia clientes e outros interessados na sua obra. Susan foi uma dessas visitas e, apesar de esta lhe ter matado o cão inadvertidamente numa marcha atrás, apaixonaram-se e decidiram viver juntos no Reino Unido em 2001. Escreveu um livro de memórias endossado por Gary Indiana e foi selecionado por Okwi Enwezor para a Bienal de Veneza de 2015. Foi processado por um famoso situacionista e ganhou, já em 2021, a última edição do Fourth Plynth. Samson Kambalu é um dos mais singulares tradutores da cultura sincrética africana para os olhos e para a razão ocidentais. É também um intérprete e um crítico da história conturbada destes dois blocos. Fracture Empire é a apresentação mais completa da sua obra até à data.
A história pós-Colombo assenta numa ideia de globalização e progresso unilateral, racista, antropocêntrica, capitalista, patriarcal e heterossexista. O pós 2ª guerra criou uma ilusão de fraternidade e igualdade, sem que a ordem do poder fosse disputada.
A ordem que até aqui reconhecemos parte do norte global, coloca-o e à sua linhagem no centro, esmaga e apaga a diversidade, distorce a sua presença histórica, confabula a normalidade e prescreve soluções competitivas de felicidade e de sucesso individual.
Este modelo colonial de sociedade e produtividade está em crise. A pandemia confronta-nos com a falência do trabalho, dinheiro e património como metas estruturadoras dos grandes propósitos de vida.
Enquanto sociedade preparamo-nos para um novo capítulo? É possível pensar um futuro inclusivo, justo e sustentável sem saber quem somos no espelho da história? Sem recuperar histórias e conhecimentos de outros centros e protagonistas? Haverá futuro fazível sem plurividência?
NESTA MICAR, PROCURAREMOS AS VOZES E CORPOS CUJAS MEMÓRIAS E VISÃO TÊM SIDO MANTIDAS NAS MARGENS. EXPLORAREMOS O LUGAR DE MULHERES, DE JOVENS E DA ARTE NA TRANSFORMAÇÃO SOCIAL. PARA COM TODAS AS PESSOAS E ATRAVÉS DELAS RESGATAR O DIREITO À MEMÓRIA PASSADA, DESCOLONIZAR A ORDEM DO MUNDO E REIVINDICAR O DIREITO AO FUTURO.
Todas as sessões têm entrada gratuita, embora sujeita a levantamento prévio de bilhetes, os quais estarão disponíveis na bilheteira do Teatro Municipal do Porto — Rivoli.
O evento é promovido pelo SOS Racismo com apoio da Câmara Municipal do Porto e Teatro Municipal Rivoli e, ao longo das 8 edições consecutivas, com o suporte de diversos parceiros institucionais.
Durante os três dias do evento são exibidas obras cinematográficas que focam a temática do racismo, da imigração e das minorias étnicas; várias sessões são complementadas por um debate sobre o tema abordado, para os quais contam com alguns convidados especiais.
O Porto tem tradição de festivais de cinema de qualidade. Orgulham-se de participar neste movimento e juntar o melhor dos diversos públicos, para debater a questão do racismo na sociedade e promover o acesso dos cidadãos e cidadãs aos espaços culturais da cidade.
'como coisa real por fora'. Impressão Inkjet Epson Ultrachrome K3 s/ papel Hahnemühle Photo Rag 308gms.90 x 70 cm. 2020.
COMO COISA REAL POR FORA COMO COISA REAL POR DENTRO
«Estou hoje perplexo como quem pensou e achou e esqueceu. Estou hoje dividido entre a lealdade que devo À Tabacaria do outro lado da rua, como coisa real por fora, E à sensação de que tudo é sonho, como coisa real por dentro.» — A Tabacaria, de Fernando Pessoa
«como coisa real por fora, como coisa real por dentro» resulta de uma investigação teórica e formal de Jordi Burch, iniciada há cerca de 2 anos, sobre a fotografia enquanto linguagem e suporte, recorrendo ao exterior da própria imagem e ao fazer fotográfico que aqui se assumem como matéria criativa. Trata-se, no fundo, de uma reflexão sobre a Fotografia e suas fronteiras, sobre o que, por definição, provocação ou da sua prática, lhe é intrínseco.
“COMO COISA REAL POR FORA, COMO COISA REAL POR DENTRO”
Jordi Burch’s exhibition “como coisa real por fora, como coisa real por dentro” will open on the 25th of september. The images presented here contemplate about the expectation that photography must portrait a world outside of its own language. Therefore, these images reflect, not only, the exhaustion of the realist aesthetics, as well as the importance of the process and its gesture’s production. This brings the images closer to reconfiguration. It is not about creating representations with no language, it is about finding images that can be part of possible worlds.
Seminário Internacional de Cinema Doc’s Kingdom 2021 regressa a Arcos de Valdevez de 1 a 5 de Outubro
“O Movimento das Coisas” é o ponto de partida da presente edição do Seminário Internacional de Cinema Doc’s Kingdom, que regressa a Arcos de Valdevez de 1 a 5 de Outubro. O Seminário Doc’s Kingdom é organizado desde 2000 pela Apordoc — Associação pelo Documentário, também responsável pelo Festival Doclisboa.
O único filme realizado por Manuela Serra — “O Movimento das Coisas” (Portugal, 1986/2021), estreado comercialmente 40 anos depois das filmagens em Lanheses, no Alto Minho —inspira o programa da presente edição, que celebra o reencontro no cinema com a presença de Manuela Serra, Jeannette Muñoz, Jessica Sarah Rinland, Naomi Uman e Sílvia das Fadas, entre outras realizadoras a anunciar.
Com um programa secreto até ao início de cada projecção, o Doc’s Kingdom 2021 reúne gestos que nos convocam para uma experiência táctil do cinema, incluindo um programa inédito de sessões especiais em 16mm, a partir do diálogo entre obras e cineastas que imaginam o lugar da comunidade na fragilidade do encontro e na sensibilidade do contacto, aí encontrando a sua força e a sua forma singulares.
O Doc’s Kingdom arranca na tarde de sexta-feira, 1 de outubro, com a conferência “A Vez do Cinema”, organizada em parceria com o Cineclube de Arcos de Valdevez. A conferência reúne delegados de projectos — salas, laboratórios, escolas, livrarias ou residências artísticas — que são exemplares na sua dimensão simultaneamente local e internacional. Estão confirmadas, entre outras, as participações de Ao Norte (Viana do Castelo), Casa do Xisto (Barcelos), Escola das Artes da Universidade Católica Portuguesa (Porto), Filmaporto Film Commission(Porto), Laboratório da Torre (Porto), Numax (Santiago de Compostela), Rua Escura (Porto), para além do Flaherty Film Seminar (Nova Iorque, EUA) e La Vulcanizadora (Santa Marta, Colômbia).
Originalmente inspirado pelo seminário Flaherty, o Doc’s Kingdom mantém as mesmas características distintivas desde a sua primeira edição em 2000: ao longo de uma semana, o mesmo grupo vê filmes e conversa informalmente sobre eles; cada jornada inclui sessões de filmes de diferentes cineastas, propondo o diálogo entre os autores presentes e um debate coletivo aberto a todos os participantes, sem distinções hierárquicas entre realizadores, estudantes, professores, espectadores e organizadores; desde 2013, para encorajar a participação integral no seminário e intensificar a experiência de imersão total, o seminário não divulga antecipadamente o programa de filmes; ao longo do programa intensivo de projecções e debates, a experiência passa também pelo encontro com o lugar onde se realiza o Doc’s Kingdom, promovendo a relação com a comunidade local.
Contrariando a dimensão quantitativa dos festivais e a formatação do espaço académico, o que aqui se propõe é uma experiência de cinema e uma experiência humana global, que desejavelmente se tornem uma só coisa. Este encontro visa proporcionar um salto no conhecimento e na visão de quem nele participa. Por um lado, através da experiência concentrada de projecções e debates. Por outro, usando como catalisadores a própria vivência de grupo e a oportunidade de mergulho num lugar inspirador, que extrai os participantes aos seus diferentes contextos habituais, convidando-os para uma experiência de imersão total.
O seminário insiste na dimensão colectiva desta experiência, propondo um programa único para todos os participantes, sem eventos paralelos e sem alinhamento prévio: em cada sessão, o grupo entra na sala de cinema sem mapa, aliando a disponibilidade e o risco para cooperar numa experiência que não pode antecipar.
Sessõesàs 16h e 18h, dos dias 23, 24, 25 e 26 de Setembro Largo Trindade Coelho Marcações/informações Serviço de Públicos e Desenvolvimento Cultural Direção da Cultura da SCML 21 324 08 69/87/89 culturasantacasa@scml.pt
Estreado em Setembro de 2018, integrando a programação “Hospitalidade”, da Santa Casa da Misericórdia de Lisboa, Dentro do Arquivo é uma performance em percurso, por lugares habitualmente inacessíveis. Como processo, a equipa do Teatro do Vestido trabalhou na investigação e análise do arquivo da Santa Casa da Misericórdia. Depois do trauma da destruição dos arquivos iniciais da instituição no terramoto de 1755, a consciência da importância da memória e da preservação do arquivo instalou-se. Hoje, o arquivo da Santa Casa da Misericórdia fornece-nos um retrato social, político e económico de diversas épocas. Uma viagem intimista aos bastidores da memória, que é também um tributo ao paciente labor dos arquivistas.
Concepção, texto, direcção Joana Craveiro
Interpretação e co-criação Joana Craveiro e Tânia Guerreiro
Temos a honra de convidar para a inauguração da exposição Sombras do Tempo de Mário Macilau, no dia 23 de Setembro, quinta-feira, a partir das 18h, onde será apresentada uma série inédita de fotografias do artista, com curadoria de Ekow Eshun.
Abertura 18h – 21h
Até 11.11.2021
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We are honoured to invite you to the official opening of the exhibitionShadows of Time by Mário Macilau, on Thursday, September 23, from 6pm, presenting a new series of photographs by the artist, curated by Ekow Eshun.
Opening 6–9 pm
On view until 11.11.2021
Galeria MOVART Rua João Penha RC 14A 1250-131, Lisboa – Portugal
O webinar “O Património é para Todos”, a ser integrado na programação das Jornadas Europeias do Património (JEP), é organizado em parceria com a YOCOCU Portugal e conta com o apoio da Direção Geral do Património Cultural (DGPC) e do Centro de Investigação em Ciência e Tecnologia das Artes (Universidade Católica Portuguesa, Escola das Artes).
Tratar-se-á de um evento online com a duração de um dia, a decorrer a 24 de setembro, constituído por dois painéis de oradores convidados, seguidos de discussão aberta à participação da audiência.
Tendo como mote as JEP deste ano, “Património Inclusivo e Diversificado”, para além de um primeiro painel dedicado a refletir, de um modo geral, sobre políticas (mais inclusivas) para o património, contando com a participação da DGPC e IPHAN (Brasil), MINOM e Acesso Cultura, foi preparado um segundo painel que reúne exemplos de projetos que promovem a participação e representatividade de grupos e comunidades diversas.
Pretende-se, deste modo, colocar em diálogo projetos dinamizados por diferentes atores sociais – instituições, associações e coletivos culturais ou artísticos – representando algumas tendências atuais na aproximação ao património (como a museologia e a os processos de patrimonialização comunitária, a relação do património com a reabilitação urbana, a criação artística e indústrias criativas).
Ana Gago, licenciada em Comunicação (FCSH-UNL) e Mestre em Estudos Regionais e Autárquicos (FL-UL), é atualmente Bolseira FCT no Doutoramento em Estudos do Património (CITAR-UCP), dedicando-se à investigação nos cruzamentos entre criação artística, valorização do património e das comunidades. Com experiência profissional nos domínios da Comunicação Institucional, Publicidade, Produção Cultural e Gestão de Projeto, tem mais recentemente vindo a desenvolver trabalho de investigação, criação e curadoria de projetos de arte e literatura digital.
Ana Temudo, doutoranda em Estudos do Património na Escola das Artes da Universidade Católica Portuguesa e investigadora do Centro de Investigação em Ciência e Tecnologia das Artes (CITAR). O seu projeto de doutoramento, intitulado “Políticas de representação do património guineense nos museus portugueses na transição do período colonial para o pós-colonial: histórias, trânsitos e discursos”, é financiado pela Fundação para a Ciência e Tecnologia (FCT) e pela União Europeia (UE), através da bolsa individual de investigação REF. 2020.08039.BD.
18-22 Outubro 2021, 10h-18h, Beato (Lisboa) Inscrições abertas até 30 de Setembro.12 vagas. Participação gratuita. Inclui almoço.
A SOS Racismo aliou-se a um grupo de activistas, pessoas da produção cultural e artistas para propor um projecto colaborativo e horizontal de auto-formação anti-colonial, antirracista e contra todos os tipos de discriminação e opressão de pessoas LGBTQIA+, com diversidade funcional e outras vítimas da violência heteropatriarcal branca. Pretende-se aqui reflectir sobre o papel que cúmplices e aliades branques/cis/hetero (etc.) podem ter no combate à discriminação e à violência. Este encontro interseccional inspira-se em modelos de “campos de treino” políticos, do passado e do presente, como espaços de auto-formação militante e de reflexão colectiva.
Este encontro intensivo reunirá cerca de 10 participantes, acompanhades por um grupo diverso de intervenientes, durante cinco dias inteiros (10h-18h). Serão analisados coletivamente estudos de caso em torno de situações de violência, com o objetivo de imaginar possíveis estratégias para contornar ou combater essa mesma violência. Através da leitura, escuta, performance, exercícios, métodos de reparação, auto-investigação e análise militante colectiva… vamos procurar respostas a perguntas difíceis, não só para as comunidades afectadas pela violência e discriminação, mas para a sociedade no geral: Qual o papel de cada ume na luta activa contra todas as formas de opressão? Como reconhecer os nossos pontos-cegos e como combater a ignorância perante as formas sistémicas de reprodução da violência?
Como estabelecer e inventar relações de aliança, solidariedade e cumplicidade que propiciem a transformação efectiva das situações sociais em que estamos implicades? Como fazer do cuidado um método central na luta política e nos movimentos de resistência?
A equipa do projecto reúne as associações SOS Racismo e Casa T, Mamadou Ba (activista), Filipa César (cineasta e artista), Jota Mombaça (artista), Gisela Casimiro (escritora e artista), José Lino Neves (dirigente na associação Batoto Yetu), Rodrigo Ribeiro Saturnino (pesquisador da Universidade do Minho e artista) e a plataforma de produção de cinema Stenar Projects (com especial enfoque em temáticas queer e decoloniais).
A partir das experiências e ideias desenvolvidas durante o campo de treino, pretende-se criar uma publicação, com a coordenação de Gisela Casimiro. Serão igualmente produzidos conteúdos para campanhas de sensibilização, coordenadas pela SOS Racismo e pela Casa T, com vista a informar e alertar a comunidade para estas questões fulcrais.
NOTA: Os encontros terão lugar num espaço seguro, nos vários sentidos do termo, isto é, um espaço que assegure o devido distanciamento e circulação do ar, disponibilização de máscaras e gel desinfectante; mas também um espaço com privacidade, onde poderemos exprimir livremente e de maneira responsável diferentes subjectividades.
16H00 | “Hrönir ou Krönir” (2021), peça sonora pelo coletivo Pizz Buin
(Irene Loureiro, Vanda Madureira, Rosa Baptista e Sara Santos)
As novas exposições do CIAJG exploram a ideia de museu como máquina de ficções. Outrora canonizado como um templo sagrado, hoje procura reescrever a sua gramática na disputa por uma nova ordem de objetos, saberes e de narrativas. No tempo “circular” do CIAJG, as propostas artísticas reivindicam o gasto improdutivo e a imaginação como inversão da moral económica dominante nas nossas sociedades. - Marta Mestre, curadora-geral do CIAJG
Escola de Lazer Priscila Fernandes
Para os antigos gregos “scholē” (escola) significava “lazer” e praticar o lazer tinha a ver com exercitar o olhar e a discussão. Referia-se também àqueles que pensam em comunidade. Priscila Fernandes apresenta pela primeira vez em Portugal um importante corpo de trabalho com três séries recentes - “Never Touch the Ground” (2020), “Labour Series” (2020) e “Free.To do Whatever We” (2018).
Amazing Fantasy Ana Vaz
Ana Vaz combina etnografia e especulação nos seus filmes, escritos e vídeo-instalações e aborda, de forma crítica, as relações entre o mito e a história colonial.
Ritual das serpentes: as “maternidades” Coleção José de Guimarães
A tematização da arte africana corre o risco de criar um sistema fechado de significados. A simbologia da serpente complexifica a dualidade harmoniosa e insurgente das maternidades africanas em diálogo com trabalhos de José de Guimarães, com as naturezas-mortas de Maria Amélia Coutinho, mãe do artista, e com Vanguarda Viperina, registo de uma ação do artista brasileiro Tunga.
Meio olho, Cara longa Pedro Henriques
Autoportantes como entidades sobrenaturais ou planares como pinturas abertas, as esculturas de Pedro Henriques lado a lado com as máscaras africanas. São lugares desconfortáveis entre a imagem e o objeto, de uma ambiguidade que se engendra na técnica e no discurso.
Complexo Colosso - parte II Vários artistas
Para a segunda parte da exposição, o curador Ángel Calvo Ulloa convida novos artistas a interpretar os sentidos da insólita estátua colossal que se encontra numa das entradas da cidade de Guimarães. Diego Vites, Carme Nogueira, a dupla Iratxe Jaio e Klaas van Gorkum e o coletivo Pizz Buin juntam-se ao grupo de artistas que interpela o relato ficcional do Colosso e a própria ideia de origem.
Diário Atmosférico Virgínia Mota
“Atmosférica” é a propriedade daquilo que é gasoso ou que exprime a noção de vapor. Assim é o diário que Virgínia Mota elabora, onde cada página é um convite à atividade indisciplinada do devaneio.
Devir-Desenho-Objeto José de Guimarães
Tantas vezes considerado momento de intervalo ou de pausa na produção artística, o desenho para José de Guimarães é, pelo contrário, um exercício intenso de transformação da realidade, cobrindo um período de cinquenta anos de trabalho.
Coleção José de Guimarães Arte africana, chinesa e pré-colombiana
O trabalho do artista José de Guimarães e as coleções que tem vindo a construir – arte africana, arte pré-colombiana e arte arqueológica chinesa – compõem um acervo fruto da sensibilidade do artista ao património popular, sagrado e arqueológico de diversas partes do mundo. No total 1128 objetos adquiridos pelo artista na Europa, dos anos 80 em diante, e confiados em comodato ao CIAJG. Estes são apresentados regularmente em diálogos com os/as artistas convidados/as. O CIAJG tem como missão a investigação das suas coleções, acreditando que o conhecimento sobre as mesmas deve ser tecido num conjunto de relações económicas, históricas e políticas, e de conexões entre saberes sem hierarquia. Desta forma, será possível olhar amplamente para este legado e diversificar a narrativa das histórias com os outros.
CONTINUAM
“Pasado” Rodrigo Hernández
Alfabeto Africano José de Guimarães
Sala das Máscaras Arte africana
SEXTA 1 OUT
18H30 | Visita-conversa ao ciclo de exposições “Ficcionar o Museu”
Na véspera da inauguração do ciclo de exposições “Ficcionar o Museu”, teremos uma visita especial com os artistas e com Marta Mestre, curadora-geral do CIAJG.
Visita reservada ao público que adquirir bilhete para o concerto La Dame Blanche (Ciclo Terra).
DOMINGO 3 OUT
11H00 | Visita Orientada às novas exposições com Mariana Oliveira Educação e Mediação Cultural
Maiores de 6
Lotação limitada
Preço 2,00 eur, mediante inscrição prévia através do e-mail mediacaocultural@aoficina.ptou do telefone 253 424 716
DOMINGO 10 OUT
11H00 | Visita-conversa “Um mergulho nas exposições e coleções do CIAJG” com Marta Mestre
Maiores de 6
Lotação limitada
Preço 2,00 eur, mediante inscrição prévia através do e-mail geral@aoficina.ptou do telefone 253 424 715
DOMINGO 17 OUT
11H00 | Domingos nos Museus
“Sorte ao Desenho, Desenho à Sorte”
Oficina de Artes Plásticas com Luísa Abreu
Educação e Mediação Cultural
Maiores de 6
Lotação limitada
Preço 2,00 eur, mediante inscrição prévia através do e-mail mediacaocultural@aoficina.ptou do telefone 253 424 716
A publicação é um estudo sobre a imagem fotográfica impressa produzida como instrumento de propaganda pelo Estado Novo português. Uma referência para historiadores, investigadores, colecionadores e fotógrafos.
Através da montagem e da fotomontagem, a fotografia impressa durante o Estado Novo em Portugal explorou as possibilidades narrativas e conotativas da imagem em diferentes media, tornando-se relevante tanto na propaganda oficial como nos discursos de oposição ao regime.
Coordenado por Filomena Serra, o livro inclui 238 reproduções de 50 publicações históricas que vão de 1928 até ao fim da ditadura em 1974 (livros, revistas ilustradas e catálogos), organizadas em quatro capítulos temáticos e acompanhadas por comentários que resumem e contextualizam cada uma das publicações referidas.
A apresentação terá lugar no sábado 25 de setembro pelas 16 horas no Museu Nacional de Arte Contemporânea do Chiado. No debate intervirão Emília Tavares, conservadora e curadora para a área da Fotografia e dos Novos Media do Museu Nacional de Arte Contemporânea; Jacinto Godinho, jornalista da RTP e Professor na Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa e investigador do Centro de Estudos de Comunicação e Linguagens; bem como Filomena Serra, historiadora da arte e investigadora integrada do Instituto de História Contemporânea da NOVA/FCSH; e Leo Simoes, co-director da Editora Muga.
Le Roman algérien est le titre d’une trilogie de films que l’artiste Katia Kameli présente sous forme d’une installation inédite au plateau 1 du Frac. La découverte d’un kiosque au centre d’Alger, où sont vendues affiches et cartes postales qui retracent l’histoire récente du pays, pose une énigme à déchiffrer : qu’est-ce qui explique l’attrait pour cette imagerie? Comment contribue-t-elle à la construction d’un imaginaire collectif, à l’écriture d’un roman national? Katia Kameli mène son enquête à partir de différentes sortes d’images : images officielles, diffusées par la presse et le pouvoir colonial, images manquantes, images créées par des militant.e.s qui ont pris part aux luttes pour l’indépendance et l’émancipation. Elle donne la parole aux femmes qui les ont produites, qui les racontent et les commentent, en mettant en lumière ce que le roman national avait omis ou relégué à l’arrière-plan : leur statut d’autrices, d’actrices de la révolution, de penseurs de l’histoire politique et sociale dans laquelle elles ont été impliquées.
La philosophe des images Marie-José Mondzain y joue un rôle important. Filmée dans une salle de cinéma à Paris, elle assiste à la projection du premier film dont elle nous offre une relecture. Puis analyse et commente, assise à sa table de travail, des séquences laissées de côté lors du montage. Dans le troisième film, elle accepte de passer de l’autre côté de l’image : elle retourne à Alger sur les traces de son histoire familiale mais se retrouve rattrapée par le présent, où la marche du Hirak l’entraîne parmi la foule. Cette table ronde sera l’occasion de revenir sur sa rencontre avec Katia Kameli, sur le tournage de ces trois films et les questions qui les traversent. Comment raconter l’histoire de ce dont on n’a pas de traces ? Comment transformer des images et documents hérités en savoirs vivants ? Qu’est-ce qui mène à la constitution d’une archive « sauvage » qui s’invente depuis les besoins du présent, à partir d’un corpus qui n’est pas institutionnel ? La discussion portera également sur la forme que prend cette enquête filmique et la temporalité spécifique qu’elle construit. En entremêlant récit personnel et histoire collective, luttes anciennes et actuelles, images d’archives et relectures contemporaines, sa trame narrative vient remettre en question le partage entre ce qui est passé et ce qui demeure présent. Ce tissage induit une temporalité inversée et non linéaire, dans laquelle les images et les personnages du film ne cessent de revenir à l’écran et de différer d’eux-mêmes, évoluant dans un mouvement de rétroactivité qui semble donner à ce roman l’allure d’un roman d’apprentissage.
Vanessa Brito, professeure de philosophie à l’École des beaux-arts de Marseille
« Marie-José Mondzain, je l’ai rencontrée après une projection de film, j’avais très envie de travailler avec elle, et je ne savais pas comment l’aborder. C’est une philosophe que j’avais lu, dont je connaissais la pensée, et qui avait nourri mon travail. Lorsque je l’ai rencontrée, elle m’a expliqué qu’elle avait prévu d’aller voir l’exposition au Mucem. Je lui ai dit que cela me ferait plaisir si elle trouvait le temps de m’en faire un retour, ce qu’elle a fait. C’est là qu’a commencé notre conversation. L’idée est venue alors très vite, dès que j’ai compris que mon dispositif l’intéressait et qu’il pourrait y avoir un chapitre 2 avec elle. L’idée de la salle de cinéma est apparue, la manière dont je pouvais capter son regard, j’ai réfléchi avec mon équipe au dispositif que j’allais mettre en place pour faire comprendre, à l’image, son rôle de philosophe des images. » (Katia Kameli)
O MEXE assume-se como um espaços incontornáveis no contexto das práticas artísticas comunitárias, tendo como base quatro pilares estruturais. O MEXE tem como objectivo final reforçar o papel da Arte enquanto espaço de participação, de encontro, de diálogo, de reflexão e de transformação. Este desafio amplia-se a cada edição com um aumento do número de ações, de participantes e de público.
Herbário Anticolonial
No rasto das encruzilhadas atlânticas, a imersão envolve botânica, memória e a performance como mediação do sensível, emaranhado pedagogias de terra, fogo, ar e água. Durante a vivência de dois dias, serão trocadas com plantas segredos, rasgos e costuras da História, em práticas de manutenção por uma perspectiva negre-originarie numa partilha de diálogo e rompimento do mundo como o conhecemos.
Duração aprox: 180 min
PORTO • 20 a 21 SET.2021 - 10:00
Dyó Potyguara é artista multilinguagem com formação em design gráfico e educação ambiental. Sua pesquisa investiga cosmotecnologias afropindoramicas, orientadas pelo desejo de uma outra iconografia y futuro na semente que plantamos hoje. Através do user ‘rastros de diógenes’ desenvolve performances e esquemas pedagógicos e/ou visuais, na presença e virtualidade. É curadora da plataforma Gira. Originária de Mamanguape, Vive e trabalha no Rio de Janeiro, Brasil.
A participação no programa está condicionada a inscrição através do e-mail: miraforum@miragalerias.net A entrada no debate está limitada à lotação máxima, tendo prioridade os participantes no percurso pedonal.
PROGRAMA:
14h00/ Percurso pedonal tem ponto de encontro na entrada dos Jardins do Palácio de Cristal. Termina no MIRA FORUM onde se realiza o debate “Decolonising the City”.
Este evento é composto por um percurso pedonal organizado pelo colectivo InterStruct, com duração aproximada de duas horas e meia. O percurso será guiado e animado por Desirée Desmarattes e Natasha Vijay. O percurso antecede o debate no MIRA FORUM.
Debate organizado e moderado por Ana Jara e Miguel Cardina, com a participação de Desirée Desmarattes, Dori Nigro, Marta Lança e Paulo Moreira.
PERCURSO:
O percurso é da responsabilidade do colletivo InterStruct. Visa unir experiências pessoais, memórias coletivas e relíquias do colonialismo, oferecendo uma nova visão que nos permite examinar as raízes do preconceito individual e dos sistemas de opressão.
Propõe-se uma caminhada performativa como forma de ativismo que aborda a falta de atenção, reconhecimento e revisão das narrativas e ideologias colonialistas que circulam na sociedade portuguesa.
DEBATE:
O debate “DESCOLONIZAR A CIDADE” tem por objetivo problematizar a persistência de estruturas e imaginários coloniais no espaço público em Portugal. Partindo do lugar social e político da arquitetura, o debate pretende analisar de que forma o corpo da(s) cidade(s) mantém lógicas de (re)produção de representações coloniais, modos de segregação socio-espacial e hierarquias - ora vincadas, ora subtis - nas quais ainda reverberam dicotomias como as de centro e periferia, metrópole e colónias, norte e sul.
Essa perspetiva diacrónica sobre a cidade e os desafios de a descolonizar irrompe a partir de um presente onde se torna fundamental aprofundar as discussões sobre o racismo, a violência policial e as desigualdades, ou sobre as pertenças, migrações e diásporas, e que aponta necessariamente para um futuro no qual o Direito à Cidade se assume como um emergente horizonte de cidadania.
Evento integrado na 17ª Representação Oficial Portuguesa na Bienal de Arquitectura de Veneza. Comissariado pela Direção-Geral das Artes.
EN Participation is subject to prior registration by e-mail: miraforum@galerias.net Entrance to the debate is limited to a maximum capacity and participants of the walking tour will have priority.
14h00 / Walking tour beginning at the main entrance of Jardins do Palácio de Cristal finishing at MIRA FORUM, for the debate part.
This event consists of a walking tour organised by the InterStruct collective, lasting approximately two and a half hours. The walk will be guided by Desirée Desmarattes and Natasha Vijay. The tour is followed by a debate taking place at MIRA FORUM.
Debate organised and moderated by Ana Jara and Miguel Cardina, with the participation of Desirée Desmarattes, Dori Nigro, Marta Lança and Paulo Moreira.
Walking tour: Joining personal contemporaneous experiences, collective memories and relics of colonialism to its wider historical context can offer new insight and enable us to examine the root causes of individual prejudice and systems of oppression. We propose a performative walking tour as a form of activism that addresses the lack of attention, acknowledgement and revision of colonialist narratives and ideologies that circulate Portuguese society.
The ‘Decolonising the City’ debate aims to question the persistence of colonial structures and mentalities in the public sphere in Portugal. Starting from architecture’s social and political place, the debate is intended to analyse how the form of cities continues to (re)produce colonial representations, modes of social and spatial segregation and hierarchies - both clear and subtle - which are still abuzz with dichotomies such as centre and periphery, metropolis and colonies, north and south.
This diachronic view of the city and the challenges of decolonising it arises at a time when it is essential to discuss racism, policy violence and inequality on a deeper level, as well as to consider issues of belonging, migration and diasporas, and which also points to a future in which the Right to the City is an emerging horizon for citizenship.
Event part of the 17th Portuguese Official Representation at the Venice Architecture Biennale. Commissioned by Direção-Geral das Artes.
A 2ª Mostra Taturana de Cinema: Democracia e Antirracismo, realizada em parceria com a Coalizão Negra por Direitos, Associação dos Profissionais do Audiovisual Negro (APAN) e Wonder Maria Filmes (Portugal), reúne curtas e longas-metragens documentais, brasileiros e de outros países, sob a premissa de que não é possível falar em democracia sem se comprometer com a luta antirracista. A Mostra acontece nos dois países de 14 a 19 de setembro, semana em que se celebra o Dia Internacional da Democracia.
Se a imagem desempenha um papel fundamental na sociedade contemporânea, para falar em democracia também é necessário descolonizar o olhar.
Da perspectiva do racismo estrutural – quando as práticas institucionais, históricas, culturais e interpessoais inferiorizam e prejudicam sistematicamente um grupo social ou étnico em benefício de outro, e isso baliza o funcionamento de uma sociedade –, as ordens imaginárias não escapam da lógica de dominação. A repetição de imagens – no cinema, na mídia, nas redes – muitas vezes torna familiar e naturaliza concepções que ajudam a construir, apoiam e mantêm opressões como racismo, sexismo, estigmatização de grupos historicamente discriminados e exterminados pela dominação de matriz colonial, que persiste no mundo globalizado de hoje.
O cinema pode ser uma ferramenta privilegiada para combater e romper com esses modelos hegemônicos de ver, pensar e representar o outro dentro de uma lógica de opressão. Ver-se em outra perspectiva, imaginar-se, descrever-se e reinventar-se pelo cinema é uma forma de descolonizar imaginários, interrogar as matrizes de representação opressoras e criar estratégias para a construção de outras, que em vez de reduzir, multiplicam as possibilidades de existência na ideia de diversidade.
É com esse olhar que a curadoria da Mostra selecionou 23 filmes dirigidos apenas por pessoas negras e indígenas e organizou 11 atividades (debates, encontros, oficinas e mais) relacionadas às questões abordadas pelas obras.
Os filmes e as atividades estão organizados em seis eixos temáticos: Experiências do corpo e da fé: religiosidade, estética e antirracismo; Em defesa da vida: direito ao território e ao modo de viver; Árvore da memória: busca da ancestralidade e combate ao apagamento e à invisibilidade; Muros do racismo: estruturas e fronteiras geográficas, materiais e simbólicas; Vidas negras importam: violência de Estado e genocídio da população negra; Outras histórias possíveis: memória, vozes e disputa de narrativas.
A Mostra abre, ainda, uma conexão direta com Portugal: parte da programação está pensada especificamente para estabelecer diálogos com este país de histórico colonizador e, respeitadas as diferenças, promover debates sobre temas e entre pessoas a partir de pontos em comum. Assim, filmes de realizadores que trazem histórias vividas no continente africano e nas diásporas, em países como Angola, Guiné e Quênia, além de Portugal, somam-se à programação do encontro, proposto como espaço de diálogo e comprometimento.
Os documentários têm acesso gratuito pela plataforma TodesPlay (tanto para Brasil quanto para Portugal), por onde também serão transmitidos debates e outras atividades online com pessoas convidadas. Acontecem, ainda, algumas atividades presenciais em ambos países; destaque especial para as caminhada históricas pelos centros de São Paulo e Lisboa, revisitando lugares de presença africana nessas cidades. Em São Paulo, a programação presencial acontece no Centro Cultural São Paulo (CCSP) e no Centro de Formação Cultural Cidade Tiradentes. Em Lisboa, acontece no Museu do Aljube – Resistência e Liberdade. Em todos os locais presenciais, o público será reduzido e haverá protocolos de segurança.
